RAYOS Y CENTELLAS: TINTÍN Y LA LÍNEA CLARA

¡Mil millones de rayos y centellas!

Siempre malhumorado andaba el Capitán Haddock, bebedor incorregible, mientras acompañaba a regañadientes a su amigo Tintín en sus aventuras alrededor del Mundo (Y de la Luna, todo sea dicho). Estos dos personajes de cómic a los que dio vida Hergé (Bélgica. 1907) son las cabezas más visibles de la Línea Clara, un estilo de historieta de origen francobelga creado en torno a los años treinta del siglo XX. 

A Hergé se le puede considerar el gran precursor de este estilo de cómic que se caracteriza por el trazo limpio de líneas bien definidas y por la utilización de colores planos que otorgan una gran viveza visual a las imágenes. Los autores de estas historietas suelen desarrollar una estructura narrativa lineal que con frecuencia gira en torno a grandes aventuras y viajes. Esta simpleza gráfica unida al guión bien estructurado tienen como fin la lectura fluida del cómic, en el que texto e imagen, como decía Hergé “nacen a la vez, el uno complementado y explicado por el otro”. Por tanto, la distribución regular de las viñetas, por lo general rectangulares, juega un papel importante en la claridad visual de las obras.

El Capitán Haddock. A medio camino
entre la caricatura y el retrato

Los personajes que recorren las páginas de éstos cómics de trazos claros se sitúan, en la mayor parte de los casos, entre lo caricaturesco y lo real. El propio Capitán Haddock, con su nariz abultada y prominente, sus ojos menudos, su barba sólida y su expresión tremendamente humana es un claro ejemplo de ello. Pero además de los personajes, los escenarios cobran también un protagonismo destacado, pues todos los planos tienen el mismo peso y están dibujados con claridad para evitar entorpecer la lectura.

Pero no sólo de Tintín vive la Línea Clara. Varios autores formaron parte de la conocida como ‘Escuela de Bruselas’ y crearon historietas como Blake y Mortimer (una saga de aventuras policíacas escritas y dibujadas por el belga Edgar P. Jacobs) o Alix (obra del francés Jacques-Martin que narra la historia de un joven galo en las postrimerías de la República romana).

Tintín in the New World. Roy Lichtenstein. 1993

La influencia de Hergé y de sus coetáneos ha marcado inevitablemente la historia del cómic desde la década de los treinta hasta nuestros días. Incluso hubo movimientos en los años ochenta que reivindicaban la recuperación y la puesta en valor de los planteamientos estéticos de estos autores. Pero no sólo dibujantes de cómics han reconocido estar marcados por la huella de Hergé; cineastas, músicos o pintores se han declarado herederos de la obra del genio belga. Andy Warhol llegó a explicar que Hergé había tenido tanta influencia en su trabajo como Walt Disney y que para él era mucho más que un creador de cómics pues su trabajo había alcanzado una gran dimensión política y satírica. Y es que Tintín ha sido un referente constante en el Arte Pop. Sus fuertes contornos, sus colores impactantes y sus onomatopeyas dentro de bocadillos resuenan en las obras de los artistas plásticos de esta corriente. De hecho, muchos de estos pintores, entre los que destaca Roy Lichtenstein, han permitido que Tintín se pasee por sus lienzos con la misma naturalidad que lo hace entre viñetas.

El cohete que llevó a Tintín a la
Luna. Un icono de la Línea Clara

En cualquier caso, la  vigencia de Tintín y sus compañeros de trazos marcados y colores impactantes es indudable: la historieta de Hergé se ha traducido a más de setenta lenguas y dialectos -¡hay ediciones hasta en esperanto!- ha vendido más de doscientos millones de ejemplares, tiene su propia línea de suvenires y Steven Spielberg dirigió –sin mucho acierto a ojos de los tintinófilos más puristas- una película de animación en 3D sobre las aventuras del joven reportero.  Y por si fuera poco, hace menos de un mes una de las planchas dibujadas por Hergé en 1937 fue subastada en París y alcanzó una cifra récord en el mundo del cómic: 2,65 millones de euros. Parece ser que a Tintín, casi cuarenta años después de la publicación de su última aventura, le queda cuerda para rato.

Para indagar más sobre el tema conviene visitar la web 'tintinólogo' en la que se explica de manera ejemplificada qué es la Línea Clara. Además, podéis leer esta noticia sobre el creador del término Línea Clara, Joost Swarte, un afamado dibujante de cómics holandés. Y por supuesto, la página web de oficial de Tintín tiene contenido muy interesante sobre la historieta.

LOS ROSTROS DEL ARTE POP

UNA MIRADA A LAS "MIRADAS" DE LICHTENSTEIN

Del gran artista pop Roy Lichtenstein (1923-1997) ya hemos escrito aquí con anterioridad. Pero hay por ahí, en un rinconcito de la provincia de Murcia, un grupo de alumnos de cuatro años que van a trabajar con su maestra la representación del rostro humano. ¡Qué suerte tienen esos chavales, cuya profesora trata de estimular en ellos la creatividad y el sentido artístico! Ojalá muchos de nosotros hubiésemos tenido maestras y maestros así cuando éramos pequeños. En esa clase se está decidiendo ahora qué artista puede servir de guía en el proceso y la profesora y yo hemos conversado algo al respecto, que para eso sirve también Internet. Mi propuesta es algo temeraria, pero creía (y creo) que a esos chavales va a llamarles la atención la forma tan peculiar que tiene Lichtenstein de abordar el tratamiento del rostro humano. No es sólo por el empleo habitual de los puntos bendei. Es, en sí mismo por cómo construye el rostro (rostros fundamentalmente femeninos) y cómo concentra la expresividad en la mirada, en esos ojos que muchas veces lloran y otras sonríen, pero que siempre resultan enormemente expresivos. A veces acompañados de esas "boquitas pintadas" de las que escribió algún literato. Sí, la mirada de Lichtenstein sobre la mirada humana. Original. Como ese grupo de pequeños escolares de Murcia, a quienes dedico este texto y esta presentación cuyo fondo es el movimiento 1 de la "Sinfonía de los juguetes".

Superior: Roy Lichtenstein: "Maybe" (1963).

DAVID HOCKNEY

UN, POP, TRES... SPLASH

Aunque no soy un nostálgico del verano, ahora que pasamos estos días de bajas temperaturas he recordado varias veces, sin saber la razón, las refrescantes pinturas de David Hockney (1937), el artista inglés que decidió instalarse en Estados Unidos a comienzos de la década de los sesenta del pasado siglo. Allí ha vivido desde entonces de manera casi permanente, aunque saltando de los fríos invernales de la ciudad de Nueva York a las cálidas aguas del estado de California.

David Hockney: "Un gran splash" (1967). Londres.

Hockney se formó como pintor en su país natal y ya sus primeros cuadros observamos una pugna entre el más puro expresionismo, la expresión abstracta y la tendencia figurativa. Sin resolver del todo el dilema, y a los veinticuatro años de edad, el pintor viaja a Estados Unidos en el momento en que en aquel país el expresionismo abstracto de los grandes maestros está comenzando a tener un serio competidor en el naciente arte pop de inicios de los sesenta, tomando contacto con el círculo artístico que rodea a Andy Warholl. Así pues, el arte pop acabará siendo la orientación que, desde entonces y de forma absolutamente predominante, podremos apreciar en sus cuadros. Los lienzos adoptan ahora un personal tono figurativo, de vivos colores y composiciones sencillas.

Entre esos cuadros de su primera etapa norteamericana destaca la serie que Hockney dedica a las piscinas californianas. Sobresalen en ellas los colores luminosos del agua y los reflejos de las ondulantes superficies líquidas. De vez en cuando encontramos en los lienzos personas absolutamente despreocupadas de nuestras miradas, que se sumergen, nadan, toman el sol o son sorprendidas en el momento de darse el chapuzón, todo en un idílico ambiente de burguesía hedonista de vida confortable, y siempre mostrados con los típicos colores planos y vivos del pop art.

David Hockney: "Ama de casa en Beverly Hill" (1966).

Pero un artista como Hockney no se limita a las piscinas y sus bañistas felices. Su mirada tan personal se dirige también a otras zonas de esas mismas viviendas, para captar los interiores domésticos y a quienes los habitan, con una fuerza en el tratamiento de los personajes que le permite componer verdaderos retratos psicológicos, en los que muchas veces aflora la incomunicación que subyace tras esas apariencias de familias felices.

Es por ello por lo que me atraen tanto las obras de este artista que en los últimos años optó también por emplear la fotografías para componer sus cuadros a base de polaroids, como si fuesen el resultado de una visión caleidoscópica de lo circundante.

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David Hockney: "Cañón Nichols" (1980).

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Así que Hockney nos muestra, en el fondo, que el aparente orden que el espectador poco avisado puede hallar presente en sus cuadros oculta a veces un cierto desorden de vida y de relaciones humanas. Quizás podamos concluir que se ven soledades en esos cuadros de ambiente californiano. Y es que la realidad resulta ser siempre dual. Frío y calor, compañía y soledad. Incomunicación. Ved si no esta selección de obras.

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Hockney dispone de una página web, muy ordenada y en la que podemos seguir con minuciosidad, por décadas, su evolución artística. Esta otra web está concebida como un tributo al artista. Por lo demás, este museo-molino inglés, además de mostrarnos las maravillas que pueden hacerse en la red teniendo la suficiente creatividad, nos presenta también varias obras de Hockney. Perdeos por sus páginas. Merece la pena.

CLAES OLDENBURG: EL ESCULTOR POP

CAMBIAR EL TAMAÑO DE LAS COSAS

Cuando el visitante recorre los hermosos jardines de la Fundación Serralves, en Oporto (Portugal), llega a una glorieta en la que se encuentra con una herramienta de jardinero. Nada anormal, si no fuese porque ese instrumento tiene más de cinco metros de altura y está pintado en colores vivos y alegres.

Claes Oldenburg: "Balancín-Herramienta" (1984). Weil and Rheim (Alemania).

Tal forma de proceder es una de la señas estilísticas de Claes Oldenburg, escultor nacido en Suecia (1929), aunque residente en los Estados Unidos desde su infancia. Fue en este país donde se forma artísticamente, estudiando en Chicago, aunque a mediados de los años 50 se trasladó a Nueva York, donde tomó contacto con el arte pop, en el que desde entonces podemos incluir su estilo. En una primera fase se decantó por el empleo de materiales blandos y baratos con los que realizaba reproducciones de objetos cotidianos. Sin embargo, pronto pasó a emplear la escayola y llegó incluso a abrir una tienda en la que se vendían alimentos y otros objetos realizados con dicho material. De alguna forma quien entraba en la tienda dejaba de ser espectador para incluirse como una parte más de la obra de arte.

Claes Oldenburg: "Cuchara-puente y cereza".

De manera casi simultánea, Oldenburg compaginó este tipo de obras con otras consistentes en reproducciones de objetos diversos a escala gigantesca. Herramientas de jardinero, pinzas de ropa, frutas, elementos deportivos, son objeto de su atención, evidenciando el interés de jugar con el mero contraste entre el tamaño normal y aquel que emplea el escultor. Además, en numerosas ocasiones, Oldenburg ha mostrado una especial predilección porque tales objetos, aún conservando ese tamaño inusual, casi gigantesco podríamos decir, estén realizados con materiales blandos. Se niega así una de las premisas de la escultura convencional, que tiende al empleo de materiales duros y consistentes. Al mismo tiempo ese carácter blando subvierte el sentido del propio objeto, que ve modificada su forma inicial con una simple presión del espectador. Se trata por tanto de una propuesta del artista para que el observador se acerque a su obra, la toque y la modifique, conviertiéndose así también, de alguna forma, también en creador.

Claes Oldenburg: "Pinza de la ropa" (1976). Philadelfia. // "Herramienta de jardinero" (2002). Oporto.

En 1977 Oldenburg contrajo matrimonio con la artista de origen holandés Coosje van Bruggen, de manera que muchas veces firman conjuntamente sus obras en las que no obstante podemos seguir viendo el sello tan personal de nuestro autor. Un creador que, conforme es característico del arte pop, busca lo cotidiano de forma divertida y desefadada pero, al mismo tiempo, procura hacernos reflexionar sobre aquello que de manera habitual nos rodea, tratando de enseñarnos que el arte está entre nosotros, A veces, aunque no sea siempre, es así. ¿Quién no ha apreciado alguna vez la belleza intrínseca de una pinza de tender la ropa? Pues imaginemos qué cantidad de hermosura habrá en una pinza que mida casi ¡catorce metros!

Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen disponen de una página web oficial en la que nos cuentan sus biografías, sus exposiciones y sus proyectos. En esta otra web podéis visitar una antología de la obra del artista.

ROBERT INDIANA: "LOVE"

POR AMOR AL ARTE

Acabo de llegar de Lisboa, en algunas de cuyas calles y plazas he podido ver la famosa exposición del artista pop norteamericano Robert Indiana (nacido como Robert Clark, 1928) que ha recorrido ya numerosos lugares de la geografía peninsular y de la que aquí dejo un pequeño "reportaje gráfico".

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Robert Indiana: "LOVE" (1964). Nueva York.

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Indiana es un artista de dilatada trayectoria, que alcanzó fama casi universal a partir de su diseño "LOVE" para una tarjeta de felicitación de navidad encargada por el MOMA de Nueva York en 1964. Esas cuatro letras, formando esa palabra de resonancia universal, se conviertieron desde entonces en emblema de su obra, reproducido de múltiples maneras: desde en papel hasta en estas esculturas de acero cortén e incluso en sellos de correos. Además, a Indiana no se le ocurrió registrar su creación, lo que ha multiplicado sus reproducciones, a veces en soportes inauditos. En cualquier caso, he aquí una de las más fecundas creaciones del arte pop, un pequeño poema visual de cuatro letras. A esta serie del amor, se han venido a añadir otras posteriores, como la denominada "números", expuesta ahora también en Lisboa.

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Simplicidad y rotundidad en el mensaje, señas propias del arte pop y de un artista que trabajó con Andy Warhol, pero que estuvo vinculado también con algunos de los más conocidos expresionistas abstractos. El propio Robert Indiana ha dicho de su obra que "a algunas personas les gusta pintar árboles. A mi me gusta pintar el amor". Pero no todo es tan sencillo, porque si no, ¿qué hace ahí esa letra O, que siempre está caída hacia un lado?

Create Your Own
Más información sobre Robert Indiana en esta página. Leed también (en inglés) esta extensa entrevista que le fue realizada en 1963, un año antes de que su LOVE universalizase sus creaciones.

KEITH HARING O LA PINTURA DESENFADADA

EL PINTOR DE LOS MONIGOTES

Después de tanto análisis del arte barroco, y como contraste absoluto, os presento aquí la obra de Keith Haring (1958-1990), un artista que iniciado como dibujante de graffitis pasó a trabajar sobre todo tipo de soportes, adquiriendo notoriedad por su estilo absolutamente desenfadado. Pero, sobre todo, Haring fue un pintor de monigotes, de esos muñecos que todos hemos dibujado muchas veces de pequeños. Siguiendo las convenciones habituales del arte pop, el artista incluyó en sus obras todo tipo de personajes, creando un universo muy personal y un estilo completamente identificable, cuya trayectoria se truncó con su prematura muerte en 1990.

Una fundación se ocupa del legado de Haring, del cual también podéis obtener más información, e incluso practicar algunos juegos, en esta página, muy amena. Por último, aquí se ofrece un tributo a su obra.

EL EQUIPO CRÓNICA

ARTE POP Y CRÍTICA SOCIAL EN LA ESPAÑA DE FRANCO

Equipo Crónica: "Guernica". (1971, serigrafía). "Pintar es como golpear" (1972).

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Equipo Crónica: "Paredón". (1975).

En 1964 un grupo de nueve artistas, que pronto quedaron en tres, creó el Equipo Crónica, una de las formaciones colectivas que con más fuerza trajo aires de modernidad a la pintura española. Tras la retirada de uno de los miembros, el Equipo acabó constituido por Rafael Solbes Y Manolo Valdés y así se mantuvo hasta que la muerte del primero de ellos, en 1981, dio al traste con la experiencia, justo en el momento en que nuestro país acababa ya la transición hacia la democracia.

Desde una perspectiva técnica, la obra del Equipo Crónica es de signo claramente figurativo y se encuentra bastante relacionada con el arte pop, que en la época de creación del equipo triunfaba en el mundo. Sin embargo su obra se extiende a otros ámbitos, al adoptar una firme posición de denuncia social, que combina con el recurso a la ironía o el humor más desenfadado .En todo ello, hay también motivos procedentes de la cultura popular, de las vanguardias más diversas y de las tradiciones más académicas, recurriendo además a la apropiación y reelaboración (desde su peculiar punto de vista) de obras realizadas por grandes autores españoles de épocas anteriores.

Equipo Crónica: "Las meninas o la salita". (1970)

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En definitiva, una especie de totum revolutum que vino a aportar a nuestras artes plásticas un estilo novedoso y algo desenfadado, pero que al mismo tiempo hacía reflexionar al espectador sobre la situación del país, sobre su historia y sus más arcaicas tradiciones. Un Equipo que quería ser una especie de periodista centrado en el análisis de la realidad de la época, aunque tamizara esa realidad desde su particular punto de vista. Su reinterpretación de las Meninas de Velázquez, en la que se el equipo se autorretrata, mientras se coloca un flotador de baño y un balón en primer plano, resume bien a las claras su visión de una España de playas y campos de fútbol.

Hay una página en construcción sobre el Equipo Crónica, en la que podéis ver numerosas fotografías sobre el proceso creativo de sus autores. Actualmente se le dedica una exposición en el Museo de arte español contemporáneo, parte de cuyo catálogo es visitable en esta página de la Fundación Juan March. Hay un catálogo completo de a obra del Equipo en este enlace de SEACEX.

ROY LICHTENSTEIN

EL ARTE DE LA "CULTURA DE MASAS"

Roy Lichstenstein: "Whaam!" (1963). 1´62 x 4,21 m.

Si algún artista compite con Andy Warhol en el trono del arte pop, se trata, sin duda ninguna de Roy Lichtenstein (1923-1997), un pintor norteamericano al que podemos considerar como el introductor, en el mundo del arte, de la denominada cultura de masas, por su tendencia habitual al empleo de las formas del cómic, la viñeta, los recursos publicitarios y, en general, todo tipo de artes gráficas.

Roy Lichtenstein: "Landscape with Scholar´s Rock". (1997).

Con un doctorado en bellas Artes y dedicado a la docencia durante varios años, LIchtenstein desarrolló una extensa carrera artística que atravesó diversos periodos y estilos hasta que, a inicios de los años 60, comienza a realizar sus primeros trabajos de lo que conocemos como arte pop. Para ello, creó algunas obras a partir de viñetas y cómics, que modificaba ligeramente sustituyendo en ocasiones los dibujos originales por series de puntos del mismo color que, junto a algunas líneas básicas, componían las figuras. Desde entonces, el artista experimentó con diversas técnicas, haciendo también incursiones en los murales, la escultura o los esmaltes, mostrando en todo ello su habitual informalismo y su predilección por algunos temas, como los personajes de cómic o los desnudos femeninos.

Roy Lichtenstein" Sky and water". (1985).
 

Sin embargo, buscador incansable, Lichtenstein cultivó también otros estilos y, de manera especial, mostró interés por el expresionismo abstracto, corriente en la que podemos encuadrar una parte de su producción pictórica, sobre todo en los años 80 del pasado siglo y en la que muestra una pincelada que a veces se convierte en pura geometría.

Unos años antes de su muerte, el artista promovió la creación de una fundación que lleva su nombre, la cual dispone de una excelente página desde la que es posible acceder a un catálogo muy bien ilustrado de toda su obra, mediante la herramienta denominada image duplicator. En esta otra página se deconstruye la obra del pintor, en lo que respecta a los cuadros que realizó a partir de comics. Finalmente, es recomendable una visita (al menos virtual) a la exposición "Roy Lichstenstein de principio a fin" que hasta el 20/V/2007 le dedica en Madrid la fundación Juan March, y en la cual se pretende exponer el proceso creativo que seguía el autor.

ANDY WARHOL SUPERSTAR

EN LOS ORÍGENES DEL ARTE POP

"Once you “got” Pop, you could never see a sign the same way again. And once you thought Pop, you could never see America the same way again." (Andy Warhol).

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Andy Warhol: "Autorretrato". 1986.

Érase una vez un hombre que quería ser rico, famoso y envidiado y que, finalmente, consiguió todo ello. Esta podría ser la definición de la figura de Andy Warhol (1928-1987), un artista norteamericano (aunque de procedencia eslovaca) que se encuentra en los orígenes del arte pop. Un artista que colaboró con Lou Reed y su Velvet Underground, que creó una "factoría" para la experimentación artística, que filmó películas imposibles, que ilustró revistas y que, sobre todo, descubrió que en los objetos de uso cotidiano también se oculta el arte.

Un hombre que consideró que el arte también podía consistir en la repetición de una imagen, hasta hacerla machaconamente visible, hasta conseguir que esa imagen quedase archivada en el cerebro del espectador: la seriación: una especie de producción industrial aplicada al arte. El hombre que popularizó el retrato de Mao, el suyo y el de Marilyn; la silla eléctrica, el jabón Brillo y la lata de sopas Campbell´s. El hombre que inventó el pop-art. La estrella de la modernidad.

Andy Warhol: "Lata de sopas Campbell´s". 1969.

Abundantísima información sobre Warhol, en inglés, en esta página.

Es muy atractiva la visita a la exposición que sobre este artista aparece en una página del gobierno de México (en español, claro).

Además, como no podía ser menos, existe un museo Warhol, aunque su página no muestra demasiadas obras del artista, salvo en la tienda virtual.

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Andy Warhol: "Serigrafías de Mao". 1972.

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