PABLO PALAZUELO: FORMA, COLOR... ABSTRACCIÓN

EN LA MUERTE DE UN GRAN PINTOR ESPAÑOL

A veces los artistas eligen recorrer caminos que no gozan de la aclamación generalizada. Se adentran en mundos novedosos y exploran en ellos vías alternativas para la expresión artística. Y en esos itinerarios personales, lejos del ruido que provoca el reconocimiento masivo, ponen en juego muchas de sus capacidades. Sobre todo, las que están más relacionadas con la expresión libre de la mente humana: la emoción, la intuición, los sentimientos. Son artistas honestos que buscan antes que nada, en el arte, una vía de expresión de su propio yo interior, no un medio para contentar a los espectadores.

Pablo Palazuelo: "Nigredo II" (1991). Madrid.

Este es el caso del pintor madrileño Pablo Palazuelo, quien ha fallecido hace unos días, tras dejar para la historia del arte español una producción pictórica que puede calificarse sin lugar a dudas como veraz y novedosa, al mismo tiempo que íntima y muy personal.

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Nacido en Madrid en 1916, Palazuelo estudió artes en Inglaterra y acabó instalándose en Francia, no regresando a España hasta finales de los años sesenta del pasado siglo. En sus inicios, su obra pictórica se vincula a las corrientes cubistas y más en concreto a aquella que a partir del propio cubismo se encamina directamente hacia el abstracto. Y es en la abstracción donde nuestro artista encontró, finalmente, satisfacción a sus inquietudes. Una abstracción en la que la forma y el color juegan papeles fundamentales, de la mano de un geometrismo creciente en el que las líneas ocupan una posición de verdadero protagonismo.

Pablo Palazuelo: "Virtus Marin II" (1995). Sevilla.

Pero Palazuelo no se conformó con la pintura. Acudió también, ya en su madurez, a la expresión escultórica, en la cual sus obras están íntimamente ligadas (en lo que a planteamiento y concepción se refiere) con sus pinturas. En todo este conjunto artístico hay siempre algo misterioso, que atrapa al espectador sensible y le hace cavilar. Es algo semejante a lo que ocurre con una buena poesía. Eso era, quizás, Palazuelo, un poeta plástico. Descanse en paz.

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En este enlace disponéis de una larga entrevista con Palazuelo, en la que el propio artista desvela sus puntos de vista y sus inquietudes en relación con el trabajo artístico. También podéis descargaros un artículo sobre Palazuelo, en el que se analiza una de sus esculturas.

Pablo Palazuelo: "Sin título" (1965).

ROBERT Y SONIA DELAUNAY

VERANO, CALOR, COLOR.

Ahora que estamos en plenas vacaciones, con calor para dar y regalar, en un periodo en el que nuestras tendencias hedonistas se incrementan al hilo de los días de ocio, hay una pareja de pintores que se me viene a la cabeza con mucha frecuencia. Su pintura me transmite alegría de vivir; sus colores son una inyección de ánimo constante y sus formas geométricas dan sensación de un cierto orden... que tiende a desordenarse, como suele pasarnos en verano.

Roger Delaunay: "Fútbol. El equipo de Cardiff" (1916). Nueva York.

Se trata del matrimonio formado por Robert y Sonia Delaunay (1885-1941 y 1885-1979, respectivamente); él francés y ella de ascendencia rusa. Cuando se casaron en 1910, Robert poseía ya una variada trayectoria pictórica que le llevó a pasar por varias corrientes de las vanguardias de comienzos de siglo, desde el puntillismo y el fauvismo al cubismo. Por esa misma época acaba rompiendo con los cubistas y se encamina hacia la abstracción, tras haber conocido a Kandinsky. Tras su muerte en 1941 es Sonia la que recoge el testigo y continúa el camino pictórico iniciado por su marido, con tan hermosos resultados como él.

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Robert Delaunay: "Primeros contrastes simultáneos" (1912). Essen.

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Podemos afirmar que entre ambos abrieron a la pintura contemporánea uno de los caminos más hermosos interesantes. Para definir lo que hicieron se emplean determinados diversos términos: orfirmo, simultaneismo, arte precinético... son todas denominaciones para tratar de aprehender el sentido que estos dos artistas dieron a sus obras. Pero, en este caso, prefiero un concepto más sencillo para definir estos cuadros de enorme atractivo: "Pintura pura" dijo de ellas Apollinaire.

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Aquí tenéis una página muy amena, y además en español, para aproximarse a la vida y la obra de esta pareja de artistas. Y para disfrutar de sus cuadros, nada mejor que verlos. Aquí va esta presentación, como muestra. Abstracción, color y formas. Pura pintura, eso es.

PPT PINTURA DEL SIGLO XX

VANGUARDIAS (I):FAUVISMO, EXPRESIONISMO Y ABSTRACCIÓN

Para mantenernos en el nivel al que se ha destinado nuestro blog, incluyo en este power point tres de los "ismos" pictóricos del siglo XX: el fauvismo, el expresionismo y la pintura abstracta. Una trama conceptual presenta los rasgos más básicos de cada estilo y, a continuación, se presentan algunas obras de los autores más relevantes de cada corriente: Matisse, Kirchner, Munch (como precedente directo del expresionismo), Marc y Kandinsky, en una apretada sístesis, que desarrollaremos, para cada caso, con artículos dedicados de forma individual a tratar la obra de estos grandísimos artistas.

WASILY KANDINSKY

EL CREADOR DEL ARTE ABSTRACTO

Wasily Kandinsky: "Playa en Holanda" (1904). Munich.

Aunque Wasily Kandinsky (1866-1944) nació en Rusia, poemos considerarlo como un europeo cosmopolita. No en balde, viajó ampliamente por el continente y acabó teniendo la nacionalidad alemana. Su trayectoria, no se limita exclusivamente a la pintura; estudió Derecho, fue profesor (dio clases en la Bauhaus) y escritor, autor de dos grandes obras sobre la teoría del arte: "De lo espiritual en el arte" (1910) y "Punto y línea sobre el plano" (1926).

En 1896 se trasladó a Munich para estudiar arte. Ya entonces realiza una serie de obras que se encuentran cerca de los postulados fauvistas, por el valor que concede al color, mientras la profundidad va perdiéndose en sus cuadros y los objetos y figuras disminuyen progresivamente su importancia.

Wasily Kandinsky: "La montaña azul" (1908/1909). Nueva York. "Montaña" (1909). Munich.

Esta tendencia le lleva a profundizar aún más en su búsqueda. En 1910 Kandinsky da a conocer su "primera acuarela abstracta". Se da así un paso absolutamente novedoso en la historia de la pintura: el objeto, cualquier objeto, desaparece del cuadro. De esta manera la pintura alcanza una absoluta autonomía. Ya no depende de la naturaleza, ni de la realidad, ni de las personas; sólo de la voluntad del artista, de su mundo interior, de su estado de ánimo. Para Kandinsky, es la libertad absoluta del creador.

Wasily Kandinsky: "Sin título. Primera acuarela abstracta" (1910). París.

Pero un año después, dando una prueba más de su enorme capacidad y vitalidad artísticas, Kandinsky participa en Munich en la creación del grupo "El jinete azul", cuyo nombre se debe, precisamente, a una de sus obras. Mientras, sigue experimentando en el abstracto, creando obras diversas, a las que llama impresiones, improvisaciones y composiciones, según el motivo que las inspira. En todas ellas encontraremos líneas gruesas, manchas de color, algunas formas geométricas y, en ocasiones, una tímida presencia de lo figurativo, más evocativa que real.

En 1914 estalla la Primera Guerra Mundial y Kandinsky regresa a Rusia, donde asiste al desarrollo de la revolución soviética, colaborando durante unos años con el nuevo poder bolchevique. Pero en 1921 retorna a Alemania y trabaja como profesor en la Bauhaus. A estos años corresponde una pintura abstracta en la que el geometrismo avanza posiciones, fruto de la influencia de los arquitectos racionalistas entre los que se desenvuelve su trabajo. Y cuando la Bauhaus se disuelve, Kandinsky se desplaza a París. Allí murió el artista ruso que abrió a la pintura universal un campo absolutamente insospechado.

Esta página inglesa ofrece numerosos enlaces sobre Kandinsky, así como diapositivas de 330 de sus obras. Ved también el repertorio de cuadros del artista que nos ofrece la Olga´s Gallery. En esta página os dan una interesante explicación (en inglés) sobre los orígenes, el significado y la evolución del arte abstracto. Y, para terminar, un análisis de algunas de las composiciones de Kandinsky.

Wasily Kandinsky: "Rojo, amarillo, azul" (1923). París.

EL ABSTRACTO GEOMÉTRICO

SOBRE LA OBRA DE PIET MONDRIAAN

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Para completar la serie de escritos dedicada al arte en los Países Bajos, fijo ahora mi atención sobre un artista que supo abrir, de una manera radical, nuevos caminos al arte contemporáneo. Me refiero a Piet Mondriaan (1872-1944), cuya obra se inició dentro de los cánones de la pintura realista, sobre todo en lo que respecta a la realización de paisajes, muchas veces pintados a acuarela. Pero muy pronto vemos en la obra de Mondriaan una evolución hacia nuevos horizontes, con cuadros cercanos al puntillismo o al fauvismo. Siguiendo su constante búsqueda, a finales de la primera década del siglo XX podemos ver como la producción de este artista da un nuevo giro, encaminándose hacia la abstracción, tras pasar por una breve etapa en la que acusa las influencias del cubismo.

Piet Mondriaan. Superior: "Paisaje con puente y granja". (1899). Inferior: "Composición con rojo, amarillo y azul". (1921).

Todas estas inquietudes que muestra la producción de Mondriaan se ven asimismo reflejadas en su participación en la creación del grupo Der Stijl ("El estilo"), con otros pintores interesados en los mismos planteamientos, que editan una revista del mismo nombre. En ella, nuestro artista acuña el término neoplasticismo, para denominar a la revolución que, en el terreno de la pintura, se propone llevar a cabo.

Básicamente, la rotunda propuesta de Mondrian se basa en la idea de que el arte (y, más en concreto, la pintura) debe ir de manera radical más allá de la propia realidad, de manera que el cuadro sea sólo un conjunto de líneas geométericas y de colores puros, bien delimitados. En su versión más extrema, esta propuesta llega incluso a rechazar el empleo de líneas diagonales, por entender que con ellas se rompe la pureza de la obra de arte.

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Se llega así a la famosa serie de obras que lleva por título el de "composición con rojo, amarillo y azul", en la que campos de estos tres colores aparecen delimitados y enmarcados por líneas negras horizontales y verticales. La simplicidad máxima, en definitiva. Por ello podemos considerar a Mondriaan como el más genuino representante de la pintura abstracta que alcanza con su obra el máximo grado de geometrización.

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En este sitio (en inglés), podéis leer más sobre la obra de Mondiaan y ver algunos de sus cuadros más conocidos, que tanta influencia han tenido ¡en la arquitectura moderna!

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Piet Mondrian: "Composición 1A". (1930).

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Y si queréis saber más sobre la obra de los pintores neoplasticistas, visitad esta página en inglés (os dará igual, porque sólo hay imágenes), que preside esta hermosa frase de otro de los pintores del grupo, Theo Van Doesburg: "El objeto de la naturaleza es el hombre, el objeto del hombre es el estilo".

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Pero, llegados a este punto, podríamos preguntarnos: ¿qué es el estilo?. Dejamos la respuesta pendiente para otra ocasión. O tal vez... una pregunta así no puede ser respondida. ¿Quién sabe?