EL PREMIO MIES VAN DER ROHE 2007 (II).
Saltamos ahora a Portugal, nuestro país hermano, al mismo tiempo tan lejos y tan cerca de nosotros. En Sines, un municipio de unos 15000 habitantes, situado en la costa alentejana, se levanta desde agosto de 2005 el Centro de Artes (CAS), según un diseño del estudio Aires Mateus, que parte de la idea de que el edificio sirva como charnela entre el casco viejo de la localidad y el ensanche, aprovechando los espacios antes ocupados por un cine y un teatro. 
Si pasamos al interior, en el que se emplea el mármol blanco de forma abundante, el conjunto dispone, entre otros espacios, de un auditorio, una sala de exposiciones. una biblioteca, un archivo y dos cafeterías. Toda la edificación, incluyendo el equipamiento, tuvo un coste de unos 8 millones de euros, que están sirviendo cumplidamente para dinamizar las actividades culturales de esta zona del Alentejo, esa hermosa región portuguesa tan injustamente tratada por la Historia y los hombres.UNA OBRA CUMBRE DE RAFAEL
Rafael Sanzio: "La escuela de Atenas" (1510).
El conjunto del fresco se acoge al lema de la "causarum cognitio", que resume las intenciones del pensamiento renacentista en cuanto a la conciliación de la razón y de la fe. Así, la representación de tantos filósofos y científicos de la Antigüedad simboliza la idea de la época de que a la "verdad" se llega por el conocimiento racional, mientras que en otros frescos quedaban reflejadas otras vías de acceso al conocimiento, en este caso a través de la fe.
Y nada mejor para mostrar esta defensa de la razón y el pensamiento científico como el recurso a la representación de muchos de los grandes pensadores de la época clásica, empezando por Parménides, Heráclito y Sócrates y siguiendo por los dos pesonajes que ocupan el centro: Platón, que señala al cielo, y Aristóteles, que señala la tierra. Los científicos están representados por Pitágoras, Euclides o Ptolomeo. Pero Rafael no se privó de dotar a algunos de sus personajes de los rasgos de los mejores pintores del momento. Por ello, junto a su autorretrato, casi escondido en el lado derecho, nos encontramos con Miguel Ángel y con el propio Leonardo.
Leonardo da Vinci: "La última cena" (1495-1498). . Milán, Italia.
Leonardo: "Autorretrato" (Hacia 1512).
¿Cómo acercarse a la obra de un hombre al que desde siempre se le ha tenido como paradigma de artista renacentista? ¿Cómo abordar el análisis de la obra de un personaje que cuenta con todas las papeletas para ser calificado como "genio"? Este es el problema de escribir acerca de Leonardo da Vinci (1452-1519), un artista integral, que además de la pintura se dedicó también a la escultura (aunque no se conserva ninguna de sus obras), a la arquitectura (aunque se cree que no se llegó a construir ninguno de los edificios que proyectó), a la ingeniería y al diseño, a la música, a la literatura y a varias otras disciplinas. 
En definitiva un hombre que amó el conocimiento en todas sus facetas y que lo cultivó desde todos los puntos de vista, pero que sentía especial predilección por la pintura, hasta afirmar lo siguiente: " Oh, maravillosa ciencia de la pintura, tú das vida permanente a las caducas bellezas de los mortales". ¡Cuanta razón tenía! Ahí están la Gioconda o la dama del armiño para avalarlo.DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO AL MINIMALISMO
Jules Olitski: "Instant loveland". (1968).
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La prensa me trajo ayer la noticia de la muerte del pintor ucraniano Jules Olitski. Nacido en 1922, el artista huyó de la Unión Soviética en la época stalinista, instalándose desde entonces en los Estados Unidos, hasta adquirir la nacionalidad de ese país, aunque pasó también una etapa en Francia, donde completó estudios de pintura.Jules Olitski: "Princesa amarilla". (1962). / "Cinco impresiones. I. Magenta-naranja". (1970).
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Olitski ha sido uno de los artistas vinculados en sus comienzos al expresionismo abstracto y, más en concreto, a la corriente del "campo de color". Sin embargo, unos años después, y sin abandonar la abstracción, pasó a emplear nuevas técnicas entre las que incluyó el uso de pulverizadores para componer sus cuadros. En realidad su trayectoria se ha cacterizado por la constante experimentación, que le llevó a acabar realizando obras prácticamente minimalistas como reacción al triunfo de la estética del arte pop. En esas obras Olitski emplea una paleta reducida con la que genera propuestas de una .jpg)
asombrosa sencillez. Todos estos planteamientos los llevó también a la experimentación escultórica, empleando el alumnio como materia prima fundamental.
Dicen (yo no lo sabía) que el pintor ha pasado sus últimos años, luchando con el cáncer. Al final, la enfermedad o simplemente el tiempo, acaba alcanzándonos a todos. Pero la frase de Olitski "mis cuadros sólo son colores rociados en el aire y suspendidos ahí" nos manifiesta de forma rotunda el carácter de un artista a quien el color y sus texturas embriagaba profundamente. Descanse en paz.
Apenas existe información en la Web española sobre Olitski. Pero podéis ver otras obras suyas en la página de la Tate Gallery o en esta otra, que dispone de 26 obras del artista que todavía están a la venta.
.Jules Olitski: "Después del fuego" (2004).
Cuando se analiza el arte del Cinquecento, es frecuente extenderlo a todo el siglo XVI, aunque en torno al año 1530 (que coincide con la muerte del pintor Rafael) podemos afirmar que las formas renacentistas (entendiendo por ellas, entre otras cosas, el afán por la correcta imtación de lo clásico) estaban ya casi agotadas. En su lugar nos encontramos con una nueva sensibilidad estética a la que llamamos manierismo y que, antes que nada, cuestiona los ideales de belleza tal como hasta entonces se habían entendido en el arte renacentista.
Pero, ¿de qué sensibilidad estamos hablando? Pues de aquella que ya no acepta el equilibrio renacentista y prefiere la tensión, que rechaza el predominio de la línea recta porque gusta más de la curva, que a veces rehuye de la realidad para plantear otro tipo de soluciones.
En este texto disponéis de una clara y suscinta información (en español) sobre el manierismo. Si queréis más información de los autores que cultivaron este estilo (y también de los del renacimiento), acudid, entonces, a la amplia lista de enlaces que proporciona esta página.
Armenia: un país a medio camino entre Europa y Asia, sobre montañas, sin salida al mar y que se independizó de la URSS en 1991, después de haber sufrido varios genocidios a lo largo de su historia. (Muy cerca de) allí está el monte Ararat, donde (dicen) que se posó el arca de Noé tras el diluvio universal. Y de allí es la Armenian Navy Band, nombre curioso donde los haya, con el que se dentifica un grupo de música de raíces creado en torno a la figura de Arto Tucboyaciyan, sin lugar a duda uno de los mejores percusionistas del mundo (quizás el mejor) y dotado de una voz absolutamente especial. Arto ha estado ya dos veces en Sevilla, la última en octubre de 2006 y cada vez me queda más claro que su música llega directa al corazón.EL PREMIO MIES VAN DER ROHE 2007 (I).
Este premio goza de un gran prestigio a nivel mundial y está concedido por la propia Unión Europea y la Fundación Mies van der Rohe, de cuya sede (el pabellón Mies de Barcelona) ya nos ocupamos aquí cuando comenzábamos el blog. Desde su creación, en 1988, el premio ha sido obtenido por autores tan reconocidos como el portugués Alvaro Siza, el español Rafael Moneo o el holandés Rem Koolhaas. 
León y diseñado por los arquitectos españoles Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón. Se trata de un amplio edificio, de planta irregular, dedicado a recoger en su interior el arte más actual.Desde el exterior, la obra se nos muestra con una fachada compuesta en su práctica totalidad por grandes paneles de vidrio de 42 colores diferentes, cuya riqueza cromática se inspira en el cercano ejemplo de la Catedral de León. El reflejo de la luz solar en los paneles hace que el edificio presente una piel cambiante, de ahí su enorme atractivo.COMENTAR UNA OBRA DE ARTE (3)
Como siguiente ejemplo de comentario de una obra de arte analizamos ahora una de las más famosas esculturas de todos los tiempos: el David de Miguel Ángel.
1) DETERMINAR:
a) TIPO DE OBRA: escultura.
b) TÍTULO: David.
MÉTODO: Obra realizada sobre mármol, mediante cincel. Para su realización Miguel Ángel recibió un bloque de mármol, estrecho y muy alto, que llevaba abandonado muchos años en la catedral de Florencia.
DESCRIPCIÓN GENERAL: El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta, que porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra. Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el contrapposto de la figura.
B) Análisis simbólico:
Miguel Ángel representa al rey David como atleta, pero no como joven atleta, sino como un hombre en la plenitud de su vida. El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat (cuya cabeza no aparece derrotada a sus pies, como era usual en otras representaciones). Por ello, el aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal: la musculatura (e incluso los tendones y las venas) son claramente perceptibles. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.
Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza (no sólo ni mayormente física) del rey David. Tales rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza (cuyo canon corresponde a 1/8 del total del cuerpo) y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra, arma que el rey empleará para derrotar a Goliat. Todo ello conduce al concepto de terribilitá que caracteriza otras obras del autor.
Todos estos rasgos convierten a la figura escultórica del rey David en un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina.
C
) Análisis sociológico:
El David fue encargado a Miguel Ángel, originariamente, por los canónigos de la catedral de Florencia (lugar donde se encontraba el bloque de mármol en el que se talló la obra). pero, una vez concluida ésta, y a la vista del resultado, el gremio de mercaderes de lana de la ciudad decidió adquirirla para situarla frente al Palacio de la Señoría, sede del gobierno de la ciudad, en la plaza del mismo nombre, de manera que sirviese como una clara representación de la libertad de la república florentina. En este sentido, la escultura es fiel reflejo de la mentalidad existente en Florencia, ciudad en la que los planteamientos de la burguesía dedicada al comercio y la banca se encontraban ampliamente extendidos.
3) OTRAS CUESTIONES:
Miguel Ángel concluye la elaboración de esta escultura en 1504, cuando contaba 29 años de edad. Unos años antes había ya realizado la Piedad del Vaticano, en la que los rasgos de la terribilitá no son aún perceptibles. En este sentido, el David precede a la realización de las obras de la tumba del Papa Julio II y, de manera especial, a la escultura de Moisés, en la que tales rasgos son aún más destacados.
En este enlace podéis seguir un recorrido visual por la producción escultórica completa de Migel Ángel. Su biografía, según las "Vidas..." de Vasari, está disponible traducida en esta página.Por último, visitad The Digital Michelangelo Project, con fotos, presentaciones y vídeos sobre la escultura (deberéis descargarlos a vuestro ordenador)..
POWER POINT DEL RENACIMIENTO (V)
EL CONSTRUCTOR DE VILLAS CAMPESTRES
Andrea Palladio "Villa Capra" (La Rotonda). Vista exterior y planta. Vicenza. 1551-1553.
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De este modo, el cantero acabó convertido en arquitecto famoso y pasó a cultivar un estilo muy clasicista, que acabó resultando el favorito de las clases pudientes de Vicenza, para las que acabó construyendo numerosas villas y palacios, entre las que destacan las denominadas Villa Capra y Villa Foscari (cerca de Venecia). En muchas de ellas, Palladio emplea modelos basados en la organización de los templos clásicos, una novedad absoluta en su época. En su modelo más conocido, las villas poseen varias fachadas porticadas y en su interior aparece un espacio central circular.
Es asombrosa la cantidad de buena información existente sobre Palladio en Internet.
Detalle del panel de los caballeros.
El autor del políptico es Nuno Gonçalves, un pintor de mediados del siglo XV del cual conocemos muy poca cosa, aunque su estilo le delata como un claro seguidor de la corriente pictórica flamenca. Se supone que hacia 1465 fue pintor de la corte del rey Alfonso V, y que en esa época debió realizar el Políptico de San Vicente, compuesto por seis paneles en los que retrató a unos sesenta personajes: miembros de la familia real, clérigos, nobles, marineros e incluso judíos, todos ellos en torno a la figura doblemente representada de San Vicente, patrón de Lisboa. En todos ellos es característica la sobriedad de la representación, así como el dominio del color.
Interior de la basílica de San Pedro del Vaticano. (Roma).Cuando el viajero llega hasta el Vaticano, en Roma, se da de bruces con la iglesia de mayor tamaño de toda la cristiandad, la basílica de San Pedro, levantada sobre el lugar en el que según la tradición reposan los restos del primer papa de la iglesia cristiana.
Planta de la basílica de San Pedro del Vaticano. Roma.
Pero, desde el punto de vista artístico, el templo es el resultado de los proyectos entrecruzados de distintos autores, quienes trataron de poner en práctica en esta obra sus propias concepciones estéticas, combinándolas con las de los papas que, en definitiva, financiaban los trabajos (aunque sería más correcto decir que acabó pagándolos el conjunto de la cristiandad europea).
Dos concepciones diferentes se encuentran en la basílica: la idea de la planta centrada de cruz griega y la de la planta de cruz latina. De alguna manera, la planta actual del edificio conjuga ambas propuestas. Veamos su desarrollo a lo largo del tiempo.
Miguel Ángel: "Cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano". Roma. (1558-1561).
3) A partir de 1546 se encarga del edificio Miguel Ángel, que retomó la idea de la planta centrada y que levantó la enorme cúpula de 46 metros de diámetro que corona el edificio, sostenida sobre cuatro pechinas. Para descargar su enorme peso diseñó otras cuatro cúpulas de menor tamaño, aunque finalmente sólo fueron construidas dos de ellas, cuando ya las obras eran dirigidas por Vignola. Finalmente, la cúpula (con algunas modificaciones) se concluýó en 1591, más de veinte años después de la muerte de Miguel Ángel.
4) Pero aún quedaban más modificaciones en la basílica: en el siglo XVII Carlos Maderno acabó transformando el proyecto de Bramante y Miguel Ángel, regresando a la idea de la cruz latina, para lo que construyó algunas crujías y levantó la actual fachada, más desarrollada en anchura que en altura, para no ocultar la cúpula. Finalmente, el edificio se completó con la plaza delantera y su famosa columnata, obra de Bernini.
Vista interior de la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. (Roma).
Esta página de la escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra proporciona buena información sobre el proceso constructivo de la basílica, con numerosos planos. Y ya que "estamos en Roma" podemos aprovechar para darnos una vuelta por la excelente web de los Museos Vaticanos, con numerosos recorridos virtuales. Además, ¿habéis oído hablar de los archivos secretos del Vaticano? Efectuad una visita virtual por ellos. Y, si os queda tiempo, podéis leer una versión virtual de la Biblia en esta página de la Santa Sede. Ya vale...por ahora.
LA OBRA DE DONATO BRAMANTE: LO PEQUEÑO COMO MODELO. .
Donato Bramante: "San Pietro in Montorio". (1502). .
Roma, hacia el año 67 d.C. Pedro, uno de los discipulos de Jesús, ha estado en la ciudad imperial tratando de difundir los mensajes de su maestro. Pero corren malos tiempos para la recién creada secta judía de los cristianos: el emperador Nerón los acusa, entre otras cosas, del incendio de la ciudad y desata una persecución contra ellos. Así que Pedro decide abandonar Roma y ponerse a salvo pero, en las afueras de la urbe, tiene un encuentro milagroso con Jesús y decide volver sobre sus pasos.
Seguimos en Roma, pero han pasado casi 1450 años. Los Reyes Católicos, que han reconquistado a los nazaríes la ciudad de Granada, deciden levantar en la ciudad un templete a la memoria de San Pedro, justo en el lugar donde, según la tradición, fue ejecutado. Donato Bramante (1444-1514) es el encargado de planificar la construcción: un templo circular, de planta centrada, levantado sobre un podio y cubierto por una cúpula semiesférica. En el exterior, una columnata de orden toscano sostiene un entablamento dórico que soporta, a su vez, una balaustrada. En los muros exteriores dispone coloca hornacinas aveneradas, que alternan con vanos adintelados.
Al templo se accede por cuatro puertas, como si nos encontrásemos en una ciudad romana y el interior dispone de un altar mayor a cuyo pie, en una cripta, se encuentra el hueco en el que, según la tradición, fue clavada la cruz del apóstol. Toda la construcción, inaugurada en 1502, es de granito y con ella arranca la arquitectura italiana del Cinquecento que, en este caso, se caracteriza por la ausencia de toda decoración innecesaria.ARQUITECTURA ITALIANA DEL CINQUECENTO
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Me ocupo ahora de otro pintor florentino, Sandro Botticelli (1445-1510), cuya obra se aparta de alguna manera del realismo que había caracterizado a pintores como Masaccio o Piero della Francesca para caer, en mi opinión, en un cierto sentimentalismo. Ello no obstante, y pese a que no pueda considerársele un gran innovador de la pintura, debemos reconocer que cuenta con una elevada valoración en la actualidad, quizás por la delicadeza que supo dar a algunas de sus composiciones más famosas,
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Sandro Botticelli: "Historia de Lucrecia". (1496-1504).
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En fin, con todo ello Botticelli acabó por hacerse famoso ya en su época y fue llamado por el Papa para decorar la Capilla Sixtina, en la que unos años después trabajaría Miguel Ángel. Pero cuando regresó a su ciudad los tiempos habían cambiado y a los Médicis le había sucedido el fraile Savonarola. De modo que el pintor cambió de temática (y, de alguna forma, de estilo) y se adaptó a las nuevas circunstancias. Sobrevivir a toda costa, diría yo que hizo el artista. Como casi todo el mundo en la incierta Florencia de entonces.
Sandro Botticelli: "Retrato de Giuliano de Medicis". (1475).
Hay un cuadro de Botticelli que siempre me ha interesado especialmente: se trata del retrato de Giuliano de Medicis. Fijáos en el perfil del personaje, pero reparad también en esa puerta entornada al fondo, que deja entrar la luz al interior de la estancia. Y, sobre todo, observad el ave que hay a la izquierda, en primer plano. ¿Se posa en el marco del cuadro o estamos ante una ventana en la que un pájaro se ha detenido?
También en eso consiste el arte, en jugar con el espectador y no me cabe duda que, en este cuadro, Botticelli lo consiguió plenamente, incluso tratándose del retrato de uno de los hombres más poderosos de su tiempo.
Para saber más cosas de este autor, podéis consultar la información de esta página (en español) y consultar este catálogo, que recoge 194 obras del artista. Si queréis descargaros buenas fotos de sus obras, recurrid entonces a las que proporciona la Wikimedia comons.
Piero della Francesca: "Adoración de la Santa Cruz y encuentro de Salomón y la reina de Shaba". Iglesia de San Francisco, Arezzo, Italia. (Hacia 1452)..
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Avanzando algo más en la historia de la pintura del Quattrocento italiano nos encontramos con la colosal figura de Piero della Francesca (1420-1492), un autor toscano influido por la obra de Masaccio, del que hereda su interés por la perspectiva y el color, por los volúmenes de las figuras y por la ordenación de las composiciones.
Según una leyenda medieval, el árbol del que fue hecha dicha cruz fue plantado en la tumba de Adán y, más tarde el rey Salomón empleó su madera en una construcción hasta que, andando el tiempo, el leño acabó sirviendo para crucificar a Jesús. Después de ello, la memoria de la cruz se perdió, hasta que en el siglo IV Santa Elena, la madre del emperador Constantino, se dirige a Tierra Santa y allí encuentra la cruz, de manera milagrosa. Comienza con ello una nueva tradición, la de los "Lignum crucis", fragmentos de la Vera+Cruz, a los que aún hoy se rinde culto en muchas iglesias de la cristiandad.Piero della Francesca: "El sueño de Constantino". (1455).
Esta historia le sirve a Piero para desarrollar todo un ciclo de frescos con un programa iconográfico que arranca con la muerte de Adán, continúa con la Anunciación, sigue con escenas de la vida de Constantino y concluye con el hallazgo de la Cruz. Una bonita historia, narrada de manera portentosa, con sentido del ritmo y con delicadeza absoluta. Puro Renacimiento, en definitiva.RENOVACIÓN Y CONTINUIDAD EN LA MÚSICA CELTA
Masaccio: "La muerte de Ananías" (detalle). Florencia. (1426)
Esta es, a grandes rasgos, la vida de Tomaso Cassai, Masaccio, cuya capacidad artística trató de sintetizar Vasari con la frase que comienza este escrito. En efecto, pocos personajes en la Historia del Arte han producido con tan escasa obra unos resultados tan excelentes en tan pocos años de vida.
Su manejo de la perspectiva, el uso de la luz para cincelar las figuras hasta casi llegar al claroscuro, el sabio empleo del color, la introducción de la naturaleza en la escena, la concepción volumétrica... todo apunta a un genio, a un primera figura en el arte de pintar que consigue dar, definitivamente, presencia completa al naturalismo. Quizás con Masaccio... se inició la pintura tal como ahora la entendemos.
Pero, como siempre, la naturaleza decide cuando se pone el punto final a las cosas. Pese a todo, ahí siguen esos frescos, mostrándonos la maestría de un joven que, como corresponde a quienes tienen esas edades, debió disfrutar grandemente con lo que hacía.
En esta excelente página italiana encontrarés la vida, la obra, la ciudad de Masaccio y numerosos enlaces a otras páginas. Y aquí tenéis, traducida al español, la opinión de Vasari sobre el artista.
ARTE POP Y CRÍTICA SOCIAL EN LA ESPAÑA DE FRANCO
Equipo Crónica: "Guernica". (1971, serigrafía). "Pintar es como golpear" (1972).
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En 1964 un grupo de nueve artistas, que pronto quedaron en tres, creó el Equipo Crónica, una de las formaciones colectivas que con más fuerza trajo aires de modernidad a la pintura española. Tras la retirada de uno de los miembros, el Equipo acabó constituido por Rafael Solbes Y Manolo Valdés y así se mantuvo hasta que la muerte del primero de ellos, en 1981, dio al traste con la experiencia, justo en el momento en que nuestro país acababa ya la transición hacia la democracia.
Fra Angélico: "La adoración de los magos". Convento de San Marcos, Florencia. (1446)
Con estos artistas el gótico acabará desapareciendo definitivamente. La mejor prueba de ello es la difusión del cuadro como soporte pictórico, frente al retablo que caracterizaba a la época anterior. Pero son muchas más las novedades que ahora se introducen: el paisaje, a veces en forma de naturaleza exultante, los temas de carácter profano, los desnudos, el empleo de la luz y, en ocasiones, el afán del artista por contarnos en una misma obra varias historias diferentes, aunque con un nexo común.
En esta misma situación nos encontramos a otros muchos pintores del momento, Benozzo Gozzoli, que colaboró ocasionalmente con Fra Angélico, Gentile da Fabriano o Antonio Pisanello. Todos ellos, quizás sin saberlo, estaban dejando atrás el viejo mundo medieval y atravesando la puerta que conduciría definitivamente al arte pictórico a los nuevos tiempos renacentistas.
A LA BÚSQUEDA DE LA RANA PERDIDA
Es evidente que en un blog "serio" como éste debe dársele poco espacio a los juegos, las adivinanzas y otras cosas del mismo tenor. Pero, en cierta medida, el arte permite el juego y el descubrimiento del detalle, el encuentro con lo pequeño dentro de la obra de gran tamaño; la valoración, en definitiva, de lo mínimo.
Pues bien, en la fachada que nos ocupa, sobre los dos arcos escarzanos de la portada, aparecen sendos retratos de los Reyes Católicos. Sobre ellos encontramos escudos imperiales de Carlos I y, más arriba aún, hay representados varios personajes de época clásica, un Papa y otros personajes sobre los que no existe absoluta unanimidad entre los expertos. Pero los canteros que levantaron la fachada no se detuvieron ahí y la completaron con una profusa y variada decoración. Uno de esos canteros debió ser un hombre divertido, porque, en medio de sus afanes, tuvo tiempo para tallar una pequeña rana, que todo el que llega hasta Salamanca busca desesperadamente, En fin, no sé... ¿dónde esta esa rana?
PINTURA ITALIANA DEL QUATTROCENTO
EL TRIUNFO DEL NATURALISMO ESCULTÓRICO
Ya hemos visto como la escultura gótica supuso, respecto a la de la época románica, un avance importante, sobre todo en lo que respecta a la representación de la figura humana. Esta misma tendencia se ampliará y profundizará con los escultores italianos del Quattrocento, cuya obra significa un retorno a muchos de los planteamientos clásicos en el trabajo escultórico.
Cuando uno se sienta en el pequeño restaurante que hay en la ciudad de Padua frente a la estatua del condotiero Gattamelata, que Donatello concluyó en 1453, puede comprender sin dificultad la grandeza de este autor: nadie, desde la época romana, había sido capaz de elaborar una estatua ecuestre en la que no solo los rasgos físicos del personaje, sino también su personalidad e incluso su temperamento quedasen tan magnificamente expuestos. Esa serenidad del guerrero mercenario, impasible en esa plaza desde hace más de 550 años, resume con fuerza hasta donde habían llegado, a mediados del siglo XV, los ideales del humanismo renacentista. Ojalá el jinete siga allí cuando visitéis por primera vez la ciudad.De todo este repaso, lo más interesante ha sido reencontrarme con un cuadro que cada vez que visito el Museo Thyssen en Madrid, llama poderosamente mi atención. Se trata del retrato de Enrique VIII que Hans Holbein el joven (11497-1543) pintó hacia 1534 y que pertenece a una serie de obras que este autor realizó durante los años en que trabajó como pintor de la corte de Enrique VIII.
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Nacido en Alemania (e hijo del también pintor Holbein el viejo) nuestro artista viajó a Italia en su juventud y allí pudo estudiar las obras de los grandes pintores italianos del Renacimiento. Este hecho, junto a sus cualidades personales, hiceron de Holbein un consumado retratista, una de las cimas de la pintura renacentista alemana y que, en los convulsos tiempos que vivió, acabó emigrando a Inglaterra, donde su maestría lo llevó a trabajar para el monarca y donde murió víctima de una epidemia de peste.
Sin embargo, de toda la producción de Holbein hay una obra verdaderamente singular, aquella que lleva por título "los embajadores" en la que retrata a dos personajes masculinos, representantes del rey de Francia en Inglaterra. Aunque el cuadro posee una extensa simbología hay un detalle que no os pasará desapercibido: entre los dos embajadores, justo en el centro de la parte inferior del cuadro y en sentido diagonal, aparece una extraña forma: se trata de una calavera, planteada desde una perspectiva casi imposible, lo que en arte se denomina anamorfosis, desde que el genial Leonardo da Vinci lo plantease. Consiste, básicamente en dibujar o pintar un objeto de forma tal que sólo pueda ser apreciado cabalmente desde un único punto de vista.LA EXTRAORDINARIA OBRA DE ESTEBAN VICENTE
Cuando el viajero llega a Segovia, lo hace sabiendo que va a visitar una de las ciudades más hermosas de España, en la que podrá sumergirse en el estudio de nuestro pasado a través de significativas muestras del arte de etapas diversas, desde el acueducto romano hasta la catedral, la iglesia de la Vera Cruz o el Alcázar.
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Cosmopolita, elegante y refinado, Esteban Vicente cultivó un estilo pictórico encajable en la amplia coriente del expresionismo abstracto. Se codeó de igual a igual con Jackson Pollock, Mark Rothko o Willem de Kooning y participó en las primeras exposiciones de esta escuela artística. Su obra se caracteriza por el recurso a las manchas de color, en la que aparecen ciertos elementos de tendencia geométrica, pero buscando casi siempre la armonía, de forma que hay en su obra una clara invitación a la poesía y a la reflexión personal sobre las relaciones entre el color, la forma y el espacio.SOBRE LA OBRA ESCULTÓRICA DE JUAN MUÑOZ
Juan Muñoz "Conversation piece". (1993).
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¿Puede un escultor conseguir "reducir la figura al grado cero. Una figura inexistente..."?. Esto, nada más y nada menos, es lo que pretendía, a través de sus obras, el escultor español Juan Muñoz, fallecido tempranamente en el verano de 2001, justo cuando las puertas del éxito y el reconocimiento internacional ya estaban completamente abiertas para él.
Juan Muñoz: "A caballito". (1997).
POWER POINT DE ARQUITECTURA ITALIANA DEL QUATTROCENTO
LA CIUDAD, EL URBANISMO Y LOS EDIFICIOS
Filippo Bruneleschi: Detalle del Hospital de los inocentes.Florencia. (1419-1424).
En Italia, desde casi comienzos del siglo XV, se inicia un intenso movimiento intelectual que tiene como objetivo la reflexión sobre la ciudad, tanto en lo que respecta a su disposición y organización (urbanismo) como en lo que concierne a los propios edificios que la componen. Pero el país, por así llamarlo, estaba lleno de ciudades y en muy contadas ocasiones se construyeron nuevas urbes completas. Así pues, la inquietud de los arquitectos se dirigió hacia lo que era realmente posible: la reforma de las ciudades ya existentes, mediante la construcción de nuevos edificios, la modificación o el embellecimiento de otros y la apertura de nuevos espacios en la trama urbana.
Cuando muere Brunelleschi ya se encuentra en plena madurez el otro genio de la arquitectura italiana del siglo XV, León Battista Alberti (1404-1473), quien no conforme con construir dejó una amplia obra escrita para la posteridad. En ella (y sobre todo en De re aedificatoria) nos viene a señalar, como creían los romanos, que el arte de construir debe responder a una serie de reglas y que éstas proporcionarán la belleza, que es el objetivo de todo artista. LA HISTORIA DE UN MÚSICO BUSCADOR DE MELODÍAS
Era ya hora de que nos refirièsemos aquí al jazz, una música profunda e inabarcable tras cuya denominación se ocultan aspectos enormemente diferentes. Quizás pueda afirmarse que existen tantos tipos de jazz como jazzistas hay en el mundo. Hoy traemos aquí a Pat Metheny, un músico de jazz especializado en guitarra, sobre todo acústica, aunque en ocasiones las emplea de formatos casi imposibles.
Man Ray: "El bailarín acompañado por sus propias sombras". (1916).
Man Ray: "El violín de Ingres" (1924).
Si hablamos de Emmanuel Radnitzky, probablemente nadie sepa a quien nos referimos; pero si decimos que de ese es el verdadero nombre de Man Ray (1890-1976), entonces mucha gente identificará sin problemas a uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, con una amplia obra a caballo entre lo puramente fotográfico y otros tipos de expresión plástica.
Dedicado a la fotografía desde muy joven, Man Ray se vinculó primero al movimiento de los Dadá, iniciando una serie de experimentaciones que le llevaron, entre otras cosas, a obtener fotografías si cámara y a participar en ese ambiente de crítica absoluta de la expresión artística que caracterizó a la producción de los dadaístas. Más adelante Ray se incorporó al grupo de los surrealistas, participando con sus fotografías en las primeras exposiciones colectivas de ese movimiento, del que retrató a sus más conocidos miembros. En toda esta trayectoria Ray no dejó jamás de experimentar y buscar nuevos caminos, que le llevaron a hacer incursiones en la pintura y en otras artes, como el diseño publicitario o el collage. Siempre interesado por los problemas de la luz, realizó algunas películas de carácter claramente experimental.
Man Ray: "Poema" (1924). ............................................................................................................... Man Ray: "Regalo" (1921).
Pero, antes que nada, Ray es un fotógrafo que ve el mundo a través del visor de su cámara, pero que crea a partir de ella, en muchas ocasiones, otro mundo diferente, jugando con el espectador, al que ofrece visiones insólitas, perspectivas insospechadas o escenas jocosas, tratando siempre de crear un cierto desconcierto. En su trabajo late, por tanto, la crítica a lo que le rodea, pero también hay en él una mirada poética que alcanza a casi toda su producción. Critica y poesía a la vez. ¡Que hermosa combinación!
Massacio: "Escenas de la vida de San Pedro". Fresco, Capilla Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florencia. (1426-27)
Hacia mediados del siglo XV en algunas zonas del continente europeo las formas de vida y las mentalidades que las acompañaban habían experimentado numerosos cambios: las ciudades se habían consolidado y, en ellas, la burguesía había venido a romper, de manera progresiva, con muchas de las pautas culturales características del mundo medieval.
Leonardo da Vinci: "Hombre vitruviano". (1492).
Podemos percibir estos cambios en cualquier aspecto en el que nos fijemos, pero aquí nos interesan de manera más directa los que se produjeron en el ámbito de la cultura. Así, por ejemplo, las universidades eran cada vez más numerosas, atraían a más estudiantes y el prestigio de muchos de sus profesores no dejaba de aumentar. Por otro lado, la difusión de la imprenta había supuesto un considerable aumento en la producción de libros. Además, estaba surgiendo un amplio interés por retomar muchos de los planteamientos que habían caracterizado al mundo clásico grecorromano. La situación que describimos es perceptible en muchos lugares, pero será en Italia donde su desarrollo alcance mayor velocidad y donde acabe por surgir esa nueva corriente cultural que denominamos Renacimiento.
Todo este viaje de la cultura renacentista fue de la mano de un verdadero redescubrimiento de la cultura clásica, a la que habían interesado los mismos temas y preocupado las mismas cuestiones. Por eso empleamos, precisamente, el término Renacimiento, porque renace o resurge esa mentalidad clásica que había supuesto una de las etapas cimeras en cuanto al desarrollo del pensamiento y las manifestaciones culturales.
en ellos latía el mismo interés que en el resto de los humanistas de la época: dejar bien a las claras, mediante su trabajo, que el hombre era de nuevo lo más importante y que todo lo que se hiciese en arte debía partir de una escala humana. Y bien que lo consiguieron.Se puede obtener una visión general del Renacimiento con la lectura del artículo que le dedica la Wikipedia en español. En cuanto al arte, es muy recomendable que os descarguéis las presentaciones que tiene colgadas en la red el colegio marista de La Coruña. Buscad en el apartado de "novedades"). Y para concluir, en esta página encontraréis una multitud de enlaces a otras que abordan diversos aspectos de la época del renacimiento.
El Greco: "Retrato de Antonio de Covarrubias". (Hacia 1600).
Roy Lichstenstein: "Whaam!" (1963). 1´62 x 4,21 m.
Si algún artista compite con Andy Warhol en el trono del arte pop, se trata, sin duda ninguna de Roy Lichtenstein (1923-1997), un pintor norteamericano al que podemos considerar como el introductor, en el mundo del arte, de la denominada cultura de masas, por su tendencia habitual al empleo de las formas del cómic, la viñeta, los recursos publicitarios y, en general, todo tipo de artes gráficas.
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Roy Lichtenstein: "Landscape with Scholar´s Rock". (1997).
Con un doctorado en bellas Artes y dedicado a la docencia durante varios años, LIchtenstein desarrolló una extensa carrera artística que atravesó diversos periodos y estilos hasta que, a inicios de los años 60, comienza a realizar sus primeros trabajos de lo que conocemos como arte pop. Para ello, creó algunas obras a partir de viñetas y cómics, que modificaba ligeramente sustituyendo en ocasiones los dibujos originales por series de puntos del mismo color que, junto a algunas líneas básicas, componían las figuras. Desde entonces, el artista experimentó con diversas técnicas, haciendo también incursiones en los murales, la escultura o los esmaltes, mostrando en todo ello su habitual informalismo y su predilección por algunos temas, como los personajes de cómic o los desnudos femeninos.
Sin embargo, buscador incansable, Lichtenstein cultivó también otros estilos y, de manera especial, mostró interés por el expresionismo abstracto, corriente en la que podemos encuadrar una parte de su producción pictórica, sobre todo en los años 80 del pasado siglo y en la que muestra una pincelada que a veces se convierte en pura geometría.
Unos años antes de su muerte, el artista promovió la creación de una fundación que lleva su nombre, la cual dispone de una excelente página desde la que es posible acceder a un catálogo muy bien ilustrado de toda su obra, mediante la herramienta denominada image duplicator. En esta otra página se deconstruye la obra del pintor, en lo que respecta a los cuadros que realizó a partir de comics. Finalmente, es recomendable una visita (al menos virtual) a la exposición "Roy Lichstenstein de principio a fin" que hasta el 20/V/2007 le dedica en Madrid la fundación Juan March, y en la cual se pretende exponer el proceso creativo que seguía el autor.
Alfarje. Palacio de Villahermosa, Teruel. (Siglo XIV)Techumbre. Convento de Las Claras. Tordesillas, Valladolid. (1ª mitad del siglo XV).
Esta costumbre generó toda una especialidad artística: la carpintería de lo blanco, cuyas tradiciones quedaron extensamente recogidas por escrito en la obra del marchenero Diego López de Arenas, "Breve Compendio de la Carpintería de lo Blanco y Tratado de Alarifes", publicada por vez primera en Sevilla, el año 1633. En ella se recoge toda una tradición costructiva en madera que se remontaba ya entonces muchas generaciones atras, teniendo un claro precedente en el arte islámico, del que la tradición mudéjar es, en este caso, una fiel continuadora.
Las cubiertas de madera responden a la denominación genérica de artesonado, siendo su forma más sencilla las de carácter plano (que llamamos alfarjes, hermosa palabra). Desde este modelo más simple podemos pasar a otros más complejos, como las artesas (de sección trapezoidal) y las techumbres octogonales y con forma de cúpula. En todos los casos, la variedad decorativa es amplia, sobresaliendo los lazos que forman complicadas estructuras geométricas. Igualmente podremos encontrar pinturas, estrellas, florones y un extenso repertorio que alcanza, incluso, a los mocárabes.
Quizás entre el amplio catálogo de cubiertas mudéjares que se ha conservado en nuestro país (y que en muchos casos requiere una atención extrema, por la fragilidad que el paso del tiempo da a la madera) la obra cumbre sea la realizada hacia 1427 en el Salón de Embajadores del Alcázar de Sevilla, una amplia semiesfera o media naranja, de más de nueve metros de diámetro, ricamente decorada con lazos geométricos y sostenida sobre un complejo sistema de descarga de empujes, que muestra a las claras la capacidad del carpintero que la levantó.
Bien, este no es un post de arte, aunque tenga que ver (y esté ilustrado) con el arte. Se trata de informaros de varias cosas que pasan, en relación con el blog que soléis leer tan amablemente.
"Saludos, Juandi: Quan grato es encontrar presentaciones sobre la temática románica y gótica. Dicto Educación Artística en una escuela ubicada en una villa de emergencia en una localidad de la Provincia de Buenos Aires. Allá tenemos PC conectadas a internet. Dios mediante, y a partir del descubrimiento de tus trabajos, en este 2007 mis alumnos van a disfrutar navegando y, quizás produzcan obras tan hermosas como las del año pasado. Que Dios te bendiga." 
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