Saltamos ahora a Portugal, nuestro país hermano, al mismo tiempo tan lejos y tan cerca de nosotros. En Sines, un municipio de unos 15000 habitantes, situado en la costa alentejana, se levanta desde agosto de 2005 el Centro de Artes (CAS), según un diseño del estudio Aires Mateus, que parte de la idea de que el edificio sirva como charnela entre el casco viejo de la localidad y el ensanche, aprovechando los espacios antes ocupados por un cine y un teatro. 
Si pasamos al interior, en el que se emplea el mármol blanco de forma abundante, el conjunto dispone, entre otros espacios, de un auditorio, una sala de exposiciones. una biblioteca, un archivo y dos cafeterías. Toda la edificación, incluyendo el equipamiento, tuvo un coste de unos 8 millones de euros, que están sirviendo cumplidamente para dinamizar las actividades culturales de esta zona del Alentejo, esa hermosa región portuguesa tan injustamente tratada por la Historia y los hombres.
Rafael Sanzio: "La escuela de Atenas" (1510).
El conjunto del fresco se acoge al lema de la "causarum cognitio", que resume las intenciones del pensamiento renacentista en cuanto a la conciliación de la razón y de la fe. Así, la representación de tantos filósofos y científicos de la Antigüedad simboliza la idea de la época de que a la "verdad" se llega por el conocimiento racional, mientras que en otros frescos quedaban reflejadas otras vías de acceso al conocimiento, en este caso a través de la fe.
Y nada mejor para mostrar esta defensa de la razón y el pensamiento científico como el recurso a la representación de muchos de los grandes pensadores de la época clásica, empezando por Parménides, Heráclito y Sócrates y siguiendo por los dos pesonajes que ocupan el centro: Platón, que señala al cielo, y Aristóteles, que señala la tierra. Los científicos están representados por Pitágoras, Euclides o Ptolomeo. Pero Rafael no se privó de dotar a algunos de sus personajes de los rasgos de los mejores pintores del momento. Por ello, junto a su autorretrato, casi escondido en el lado derecho, nos encontramos con Miguel Ángel y con el propio Leonardo.
Leonardo da Vinci: "La última cena" (1495-1498). . Milán, Italia.
Leonardo: "Autorretrato" (Hacia 1512).
¿Cómo acercarse a la obra de un hombre al que desde siempre se le ha tenido como paradigma de artista renacentista? ¿Cómo abordar el análisis de la obra de un personaje que cuenta con todas las papeletas para ser calificado como "genio"? Este es el problema de escribir acerca de Leonardo da Vinci (1452-1519), un artista integral, que además de la pintura se dedicó también a la escultura (aunque no se conserva ninguna de sus obras), a la arquitectura (aunque se cree que no se llegó a construir ninguno de los edificios que proyectó), a la ingeniería y al diseño, a la música, a la literatura y a varias otras disciplinas. 
En definitiva un hombre que amó el conocimiento en todas sus facetas y que lo cultivó desde todos los puntos de vista, pero que sentía especial predilección por la pintura, hasta afirmar lo siguiente: " Oh, maravillosa ciencia de la pintura, tú das vida permanente a las caducas bellezas de los mortales". ¡Cuanta razón tenía! Ahí están la Gioconda o la dama del armiño para avalarlo..jpg)
La prensa me trajo ayer la noticia de la muerte del pintor ucraniano Jules Olitski. Nacido en 1922, el artista huyó de la Unión Soviética en la época stalinista, instalándose desde entonces en los Estados Unidos, hasta adquirir la nacionalidad de ese país, aunque pasó también una etapa en Francia, donde completó estudios de pintura.Jules Olitski: "Princesa amarilla". (1962). / "Cinco impresiones. I. Magenta-naranja". (1970).
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Olitski ha sido uno de los artistas vinculados en sus comienzos al expresionismo abstracto y, más en concreto, a la corriente del "campo de color". Sin embargo, unos años después, y sin abandonar la abstracción, pasó a emplear nuevas técnicas entre las que incluyó el uso de pulverizadores para componer sus cuadros. En realidad su trayectoria se ha cacterizado por la constante experimentación, que le llevó a acabar realizando obras prácticamente minimalistas como reacción al triunfo de la estética del arte pop. En esas obras Olitski emplea una paleta reducida con la que genera propuestas de una .jpg)
asombrosa sencillez. Todos estos planteamientos los llevó también a la experimentación escultórica, empleando el alumnio como materia prima fundamental.
Dicen (yo no lo sabía) que el pintor ha pasado sus últimos años, luchando con el cáncer. Al final, la enfermedad o simplemente el tiempo, acaba alcanzándonos a todos. Pero la frase de Olitski "mis cuadros sólo son colores rociados en el aire y suspendidos ahí" nos manifiesta de forma rotunda el carácter de un artista a quien el color y sus texturas embriagaba profundamente. Descanse en paz.
Apenas existe información en la Web española sobre Olitski. Pero podéis ver otras obras suyas en la página de la Tate Gallery o en esta otra, que dispone de 26 obras del artista que todavía están a la venta.
.Jules Olitski: "Después del fuego" (2004).
Cuando se analiza el arte del Cinquecento, es frecuente extenderlo a todo el siglo XVI, aunque en torno al año 1530 (que coincide con la muerte del pintor Rafael) podemos afirmar que las formas renacentistas (entendiendo por ellas, entre otras cosas, el afán por la correcta imtación de lo clásico) estaban ya casi agotadas. En su lugar nos encontramos con una nueva sensibilidad estética a la que llamamos manierismo y que, antes que nada, cuestiona los ideales de belleza tal como hasta entonces se habían entendido en el arte renacentista.
Pero, ¿de qué sensibilidad estamos hablando? Pues de aquella que ya no acepta el equilibrio renacentista y prefiere la tensión, que rechaza el predominio de la línea recta porque gusta más de la curva, que a veces rehuye de la realidad para plantear otro tipo de soluciones.
En este texto disponéis de una clara y suscinta información (en español) sobre el manierismo. Si queréis más información de los autores que cultivaron este estilo (y también de los del renacimiento), acudid, entonces, a la amplia lista de enlaces que proporciona esta página.
Armenia: un país a medio camino entre Europa y Asia, sobre montañas, sin salida al mar y que se independizó de la URSS en 1991, después de haber sufrido varios genocidios a lo largo de su historia. (Muy cerca de) allí está el monte Ararat, donde (dicen) que se posó el arca de Noé tras el diluvio universal. Y de allí es la Armenian Navy Band, nombre curioso donde los haya, con el que se dentifica un grupo de música de raíces creado en torno a la figura de Arto Tucboyaciyan, sin lugar a duda uno de los mejores percusionistas del mundo (quizás el mejor) y dotado de una voz absolutamente especial. Arto ha estado ya dos veces en Sevilla, la última en octubre de 2006 y cada vez me queda más claro que su música llega directa al corazón.
Este premio goza de un gran prestigio a nivel mundial y está concedido por la propia Unión Europea y la Fundación Mies van der Rohe, de cuya sede (el pabellón Mies de Barcelona) ya nos ocupamos aquí cuando comenzábamos el blog. Desde su creación, en 1988, el premio ha sido obtenido por autores tan reconocidos como el portugués Alvaro Siza, el español Rafael Moneo o el holandés Rem Koolhaas. 
León y diseñado por los arquitectos españoles Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón. Se trata de un amplio edificio, de planta irregular, dedicado a recoger en su interior el arte más actual.Desde el exterior, la obra se nos muestra con una fachada compuesta en su práctica totalidad por grandes paneles de vidrio de 42 colores diferentes, cuya riqueza cromática se inspira en el cercano ejemplo de la Catedral de León. El reflejo de la luz solar en los paneles hace que el edificio presente una piel cambiante, de ahí su enorme atractivo.
1) DETERMINAR:
) Análisis sociológico:
De este modo, el cantero acabó convertido en arquitecto famoso y pasó a cultivar un estilo muy clasicista, que acabó resultando el favorito de las clases pudientes de Vicenza, para las que acabó construyendo numerosas villas y palacios, entre las que destacan las denominadas Villa Capra y Villa Foscari (cerca de Venecia). En muchas de ellas, Palladio emplea modelos basados en la organización de los templos clásicos, una novedad absoluta en su época. En su modelo más conocido, las villas poseen varias fachadas porticadas y en su interior aparece un espacio central circular.
Es asombrosa la cantidad de buena información existente sobre Palladio en Internet.
Detalle del panel de los caballeros.
El autor del políptico es Nuno Gonçalves, un pintor de mediados del siglo XV del cual conocemos muy poca cosa, aunque su estilo le delata como un claro seguidor de la corriente pictórica flamenca. Se supone que hacia 1465 fue pintor de la corte del rey Alfonso V, y que en esa época debió realizar el Políptico de San Vicente, compuesto por seis paneles en los que retrató a unos sesenta personajes: miembros de la familia real, clérigos, nobles, marineros e incluso judíos, todos ellos en torno a la figura doblemente representada de San Vicente, patrón de Lisboa. En todos ellos es característica la sobriedad de la representación, así como el dominio del color.
Interior de la basílica de San Pedro del Vaticano. (Roma).Cuando el viajero llega hasta el Vaticano, en Roma, se da de bruces con la iglesia de mayor tamaño de toda la cristiandad, la basílica de San Pedro, levantada sobre el lugar en el que según la tradición reposan los restos del primer papa de la iglesia cristiana.
Planta de la basílica de San Pedro del Vaticano. Roma.
Pero, desde el punto de vista artístico, el templo es el resultado de los proyectos entrecruzados de distintos autores, quienes trataron de poner en práctica en esta obra sus propias concepciones estéticas, combinándolas con las de los papas que, en definitiva, financiaban los trabajos (aunque sería más correcto decir que acabó pagándolos el conjunto de la cristiandad europea).
Dos concepciones diferentes se encuentran en la basílica: la idea de la planta centrada de cruz griega y la de la planta de cruz latina. De alguna manera, la planta actual del edificio conjuga ambas propuestas. Veamos su desarrollo a lo largo del tiempo.
Miguel Ángel: "Cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano". Roma. (1558-1561).
3) A partir de 1546 se encarga del edificio Miguel Ángel, que retomó la idea de la planta centrada y que levantó la enorme cúpula de 46 metros de diámetro que corona el edificio, sostenida sobre cuatro pechinas. Para descargar su enorme peso diseñó otras cuatro cúpulas de menor tamaño, aunque finalmente sólo fueron construidas dos de ellas, cuando ya las obras eran dirigidas por Vignola. Finalmente, la cúpula (con algunas modificaciones) se concluýó en 1591, más de veinte años después de la muerte de Miguel Ángel.
4) Pero aún quedaban más modificaciones en la basílica: en el siglo XVII Carlos Maderno acabó transformando el proyecto de Bramante y Miguel Ángel, regresando a la idea de la cruz latina, para lo que construyó algunas crujías y levantó la actual fachada, más desarrollada en anchura que en altura, para no ocultar la cúpula. Finalmente, el edificio se completó con la plaza delantera y su famosa columnata, obra de Bernini.
Vista interior de la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. (Roma).
Esta página de la escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra proporciona buena información sobre el proceso constructivo de la basílica, con numerosos planos. Y ya que "estamos en Roma" podemos aprovechar para darnos una vuelta por la excelente web de los Museos Vaticanos, con numerosos recorridos virtuales. Además, ¿habéis oído hablar de los archivos secretos del Vaticano? Efectuad una visita virtual por ellos. Y, si os queda tiempo, podéis leer una versión virtual de la Biblia en esta página de la Santa Sede. Ya vale...por ahora.
Roma, hacia el año 67 d.C. Pedro, uno de los discipulos de Jesús, ha estado en la ciudad imperial tratando de difundir los mensajes de su maestro. Pero corren malos tiempos para la recién creada secta judía de los cristianos: el emperador Nerón los acusa, entre otras cosas, del incendio de la ciudad y desata una persecución contra ellos. Así que Pedro decide abandonar Roma y ponerse a salvo pero, en las afueras de la urbe, tiene un encuentro milagroso con Jesús y decide volver sobre sus pasos.
Seguimos en Roma, pero han pasado casi 1450 años. Los Reyes Católicos, que han reconquistado a los nazaríes la ciudad de Granada, deciden levantar en la ciudad un templete a la memoria de San Pedro, justo en el lugar donde, según la tradición, fue ejecutado. Donato Bramante (1444-1514) es el encargado de planificar la construcción: un templo circular, de planta centrada, levantado sobre un podio y cubierto por una cúpula semiesférica. En el exterior, una columnata de orden toscano sostiene un entablamento dórico que soporta, a su vez, una balaustrada. En los muros exteriores dispone coloca hornacinas aveneradas, que alternan con vanos adintelados.
Al templo se accede por cuatro puertas, como si nos encontrásemos en una ciudad romana y el interior dispone de un altar mayor a cuyo pie, en una cripta, se encuentra el hueco en el que, según la tradición, fue clavada la cruz del apóstol. Toda la construcción, inaugurada en 1502, es de granito y con ella arranca la arquitectura italiana del Cinquecento que, en este caso, se caracteriza por la ausencia de toda decoración innecesaria..jpg)
Me ocupo ahora de otro pintor florentino, Sandro Botticelli (1445-1510), cuya obra se aparta de alguna manera del realismo que había caracterizado a pintores como Masaccio o Piero della Francesca para caer, en mi opinión, en un cierto sentimentalismo. Ello no obstante, y pese a que no pueda considerársele un gran innovador de la pintura, debemos reconocer que cuenta con una elevada valoración en la actualidad, quizás por la delicadeza que supo dar a algunas de sus composiciones más famosas,
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Sandro Botticelli: "Historia de Lucrecia". (1496-1504).
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En fin, con todo ello Botticelli acabó por hacerse famoso ya en su época y fue llamado por el Papa para decorar la Capilla Sixtina, en la que unos años después trabajaría Miguel Ángel. Pero cuando regresó a su ciudad los tiempos habían cambiado y a los Médicis le había sucedido el fraile Savonarola. De modo que el pintor cambió de temática (y, de alguna forma, de estilo) y se adaptó a las nuevas circunstancias. Sobrevivir a toda costa, diría yo que hizo el artista. Como casi todo el mundo en la incierta Florencia de entonces.
Sandro Botticelli: "Retrato de Giuliano de Medicis". (1475).
Hay un cuadro de Botticelli que siempre me ha interesado especialmente: se trata del retrato de Giuliano de Medicis. Fijáos en el perfil del personaje, pero reparad también en esa puerta entornada al fondo, que deja entrar la luz al interior de la estancia. Y, sobre todo, observad el ave que hay a la izquierda, en primer plano. ¿Se posa en el marco del cuadro o estamos ante una ventana en la que un pájaro se ha detenido?
También en eso consiste el arte, en jugar con el espectador y no me cabe duda que, en este cuadro, Botticelli lo consiguió plenamente, incluso tratándose del retrato de uno de los hombres más poderosos de su tiempo.
Para saber más cosas de este autor, podéis consultar la información de esta página (en español) y consultar este catálogo, que recoge 194 obras del artista. Si queréis descargaros buenas fotos de sus obras, recurrid entonces a las que proporciona la Wikimedia comons.
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