FELIZ AÑO 2007

GRACIAS, DE NUEVO.

Bien, hemos llegado al fin de año y mi contador del blog me dice que más de siete mil visitantes han pasado por aquí desde comienzos de Octubre. Para festejar la llegada de 2007, y teniendo presente que en unos días nos iremos a Amsterdam a conocer in situ arte de primera fila, nada mejor que esta presentación sobre la obra de uno de los tres más conocidos pintores holandeses: Vicent Van Gogh, del que a su debido tiempo nos ocuparemos con detalle. Ahora nos basta con las imágenes de las pinturas de uno de los artistas con una visión más personal de todos los tiempos. Mientras los cuadros avanzan, disfrutamos de la canción Starry night (noche estrellada), que es precisamente el título de una de las más conocidas obras de Van Gogh. Canta Don Mac Lean´s. Feliz año a todos.

EL PÓRTICO DE LA GLORIA

LA CUMBRE DE LA ESCULTURA ROMÁNICA ESPAÑOLA

Esquema compositivo del Pórtico de la Gloria.

Hace ya más de tres meses que el grupo de peregrinos dejó atrás Francia y cruzó los Pirineos por el paso de Roncesvalles. Ahora han llegado a su destino final, el Campus Stelae y se disponen a entrar en la catedral consagrada a Santiago. Saben, eso sí, que unos años antes (en 1188) un maestro escultor llamado Mateo, junto a varios miembros de su taller, ha rematado su obra maestra en el templo: un pórtico que ya comienza a ser conocido como "de la Gloria", por las escenas en él representadas. Así que alcanzan el nártex y se detienen a contemplar las imágenes de las que los peregrinos que regresaban a sus hogares les habían hablado a la luz de la lumbre.

Tímpano de la portada central.

Fijan pues su mirada en la portada central, de las tres en que el pórtico se divide. Y antes que nada sus ojos se van al centro del tímpano. Allí está sentado en un trono el mismo Cristo, que vendrá a juzgar a todos los hombres en el fin de los días, como dice el libro del Apocalipsis, en el que parece que el maestro Mateo o quien lo dirigió se ha inspirado.

Pero este Pantocrátor, que muestra sus llagas en manos y pies, no está sólo. Le rodean los cuatro evangelistas, que aparecen representados en el momento de escribir sus propias obras, apoyados cada uno en su símbolo: pueden ver a Lucas con el toro, a Marcos con el león y a Juan con el águila; sólo Mateos no aparece con su signo habitual: no sería apropiado que se apoye sobre un ángel para escribir el Evangelio, usándolo a modo de mesa, así que emplea un cofre, que alude a su antiguo oficio de cobrador de impuestos.

Parteluz de la portada central............................................................................................................. Apóstol Santiago.

Uno de los pregrinos llama la atención de sus compañeros sobre la presencia de ocho ángeles que portan atributos de la pasión: ¡mirad -dice- el INRI de la cruz! Y luego su mirada se desvía hacia otros dos pequeños ángeles que inciesan a Jesús. Tras ellos, cerrando el plano aparece otro nutrido coro de personajes. Pero enseguida la vista sigue su dirección ascendente y observan como el timpano del arco se cierra con un coro de ancianos, todos sentados. Se entretienen los viajeros en contarlos (suman 24) y en comentar entre ellos que, además de portar instrumentos musicales que identifican sin dificultad, parecen que charlan entre si, que se mueven, que giran sobre sus asientos, en un alarde de naturalidad hecho en piedra.

Coro de músicos ancianos.

Y bajo esta Gloria de Cristo juez, en el parteluz de la portada, ven los peregrinos al mismo Santiago, que parece recibirlos y que, como ellos, porta un cayado, tal cual si el propio apóstol hubiese hecho también el Camino. Misit me dominus (me envió el Señor), logra leer el único de ellos que no es iletrado como los demás.

Se detienen un momento a orar y luego se fijan en las columnas-estatuas de los laterales de la portada: a su izquierda observan figuras del Antiguo Testamento (distinguen así a Moises o al profeta Isaías) y a su derecha personajes del Nuevo, de manera que por sus símbolos identifican sin dificultad a San Pedro, San Pablo, Santiago y San Juan. En ese momento, un sacerdote sale del templo y los peregrinos besan su mano y le solicitan aclaración de algunas de las escenas que no alcanzan a comprender del todo. El preste les comenta que todo el pórtico simboliza cómo el Cielo y la Gloria de Jesús se asientan (tal como están viendo) sobre el mensaje que transmite la Biblia cristiana.

Figuras del Antiguo (izquierda) y Nuevo Testamento (derecha).

La impaciencia comienza a extenderse en el grupo y ya hay quien solicita pasar al interior del templo, de manera que ven a paso rápido las portadas laterales y, de nuevo por la central, penetran al interior. Una última cosa, llama su atención: en la parte inferior del parteluz aparece una figura humana arrodillada. Uno de ellos recuerda que un peregrino que venía de regreso le comentó que en esa actitud se había retratado el propio maestro escultor. Y tras pasar la mano por su cabeza, se une al resto del grupo, que ya tiene ante sus ojos, casi cien metros más adelante, el presbiterio, donde se encuentra el apóstol Santiago, aquel que según cuentan conoció a Jesús y vivió con él, que difundió su doctrina y que, después de ser martirizado y ejecutado, vino a ser enterrado aquí, al extremo occidente de Europa. Hacia ese apóstol van ahora nuestros viajeros, concluyendo su Camino.

Esta página describe de forma suscinta cada uno de los elementos que componen el conjunto escultórico del Pórtico de la Gloria.

JULIÁN OPIE

A PROPÓSITO DE UNA EXPOSICIÓN

Aspecto de una exposición de Opie en Baltic. Centro para el Arte Contemporáneo. Gateshead (2002)

Julian Opie: "Bijou gets undressed" (2004) ............................................................................................Julian Opie: "Shahnoza with beads" (2006)

Pocas veces podemos disfrutar en Andalucía de exposiciones de calidad dedicadas al arte actual. Aún sintiéndolo por el relativo fracaso de la BIACS, una de esas raras ocasiones la tenemos ahora (y hasta mediados de Marzo) en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, que nos presenta, con el título de "Show time" una antología de obras del artista inglés Julián Opie, centradas todas ellas en la figura humana.

Heredero de algunos de los autores más conocidos del arte pop, Opie lleva el dibujo del cuerpo humano a sus rasgos más básicos, empleando líneas (a veces monocromas) mediante las que pretende captar los rasgos esenciales de la figura representada. De esta forma, se le considera un autor cercano al arte minimalista, pero en el que también se pueden encontrar influencias del cómic, el diseño y el grafismo e, incluso, de la conocida línea clara de Hergé, el creador de las aventuras de Tintín. Sea como sea, tenemos aquí a un artista desenfadado, alegre y colorista, cuya obra alcanza cada día más difusión y que alguien ha definido como "el pintor de la vida moderna".

No dejéis de visitar el sitio oficial del artista, en el que podréis ver algunas de sus creaciones animadas o descargaros originales salvapantallas. En esta otra página, muy interesante y con muchas imágenes, tenéis el resultado de un proyecto de Opie para la ciudad de Indianápolis, que podréis ver también a través de algunos vídeos. Todo muy dinámico.

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Aspecto de una instalación de Opie.

MUERE JAMES BROWN

EL PADRINO DEL SOUL

Mientras leo el periódico en el desayuno me entero de que ayer falleció, casi de repente, James Brown, la voz más significativa de la música soul. Algo histriónico, algo hortera y algo explosivo (mister dinamita, le llamaban), pero un músico con una voz portentosa y una carrera artística de más de 50 años en los que vendió 500 millones de discos. Bailongo por excelencia, hoy la web está llena de necrológicas sobre su obra. Ved ésta, en la que se le rinde tributo a partir de unas imágenes iniciales del famoso show de Ed Sullivan. y mientras recordaremos siempre I feel good o Sex machine. Descanse en paz el precursor de rap del funky y la música disco.

VINICIUS DE MORAES

POR LOS CAMINOS DE LA BOSSA NOVA

Traemos aquí al gran Vinicius de Moraes (1913-1980), poeta, diplomático, crítico de cine y, sobre todo músico y compositor de hermosas canciones. Podría decirse que la música brasileña contemporánea es, en gran parte, obra de Vinicius, porque una elevado número de canciones que a todos nos resultan familiares (La chica de Ipanema, Tarde en Itapoá, La felicidad, Yo sé que voy a amarte...y tantas otras) son de su autoría o contribuyó a su difusión. Junto con otros artistas creó en los años cincuenta del pasado siglo la "bossa nova" un ritmo típicamente brasileiro en el que se combinan guitarras, percusiones, y piano, para crear una música que resulta algo de jazz, algo de samba y mucho de especial, junto a unas letras tremendamente evocadoras. Como ejemplo de todo ello, su disco "En la Fusa" (con Maria Creuza y Toquinho) es todo un clásico que nadie debería dejar de oir... muchas veces.

Existe una excelente página, no sé si oficial, que lleva su nombre y, en este otro enlace, podéis ampliar información sobre el disco que hemos mencionado. Disfrutaréis. Mientras tanto, aquí vemos a Vinicius cantando tan tranquilo, junto a su gran amigo Toquinho, en ese ambiente de bar que tanto le atraía. La canción es "Tarde en Itapoá"... Casi nada.

LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA

COMENTAR UNA OBRA DE ARTE (1)

Os presento aquí un modelo de comentario de una obra de arte. En este caso, nos centramos en uno de los mejores ejemplos de la arquitectura románica: la Catedral de Santiago de Compostela.

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Vista del crucero de la catedral

1) DETERMINAR:

a) TIPO DE OBRA: Construcción arquitectónica.

Planta de la catedral

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b) TÍTULO: Catedral de Santiago el Mayor.

c) LOCALIZACIÓN: Santiago de Compostela, La Coruña, España.

d) AUTOR: Desconocido. Las obras fueron encargadas por los obispos Diego Peláez (hasta 1087) y Diego Gelmírez (hasta 1128). El Pórtico de la Gloria (que no vamos a analizar aquí) es obra posterior, del maestro Mateo, realizada entre 1161 y 1188.

e) FECHA: 1075 a 1128.

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f) ESTILO: Románico.

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2) ANALIZAR:

A) Análisis técnico:

* FORMA: catedral románica, típìco modelo de iglesia de peregrinación, con planta de cruz latina y cabecera con girola y absidiolos. La longitud del edificio es de 97 metros.

* MÉTODO: Obra arquitectónica realizada en piedra.

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* DESCRIPCIÓN GENERAL: El edificio, una de las mayores construcciones del estilo románico, presenta a sus pies un nártex, en el que se sitúa el Pórtico de la Gloria. En la construcción primitiva, en este espacio se situaban a cada lado sendas torres de planta cuadrada.

El interior del templo se divides en tres naves. La central posee un ancho de 10 metros y alcanza una altura de 22, cubriéndose con bóveda de cañón. Las naves laterales, de menor altura y unos 5 metros de anchura lo hacen con bóvedas de aristas. Sobre dichas naves laterales se alzan tribunas que asoman a la nave central mediante arcos geminados. Sus vanos exteriores proporcionan iluminación a la parte superior de la nave central, lo que contrasta con la mayor penumbra de la zona inferior.

Vista de una de las naves laterales

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Las bóvedas se sostienen mediantes pilares compuestos que presentan columnas adosadas, organizadas de forma tal que la columna que mira hacia la nave central se eleva a lo largo de toda la altura de la misma, hasta alcanzar el inicio del arco fajón correspondiente.

El transepto se organiza también en tres naves en cuyos extremos se abren sendas portadas al exterior. Por otra parte, en uno de sus lados mayores este transepto presenta cuatro absidiolos, dispuestos dos a cada lado de la cabecera. Sobre el crucero se alza un cimborrio. En toda este enorme transepto se alzan también tribunas sobre las naves laterales.

La cabecera de la catedral es de amplias dimensiones y dispone de una girola con cinco capillas radiales en los absidiolos. De ellas, la central presenta al interior forma absidada, mientras que al exterior se cierra con testero plano.

Todo el espacio interior del templo está organizado de manera que los fieles (tras concluir aquí su peregrinación hasta la tumba del apóstol Santiago) pudiesen acceder a la catedral por la portada de los pies y recorrerla hasta llegar a la girola, en cuyo espacio central se encuentra el sepulcro del citado apóstol. Todo este camino interior del edificio permite que puedan desarrollarse sin interferencias las ceremonias religiosas.

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Nave central y tribunas de una nave lateral.

b) Análisis simbólico:

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La catedral de Santiago viene a simbolizar, en primer lugar, la importancia de una ciudad y una sede obispal en la que se encuentra situado el sepulcro de uno de los doce apóstoles de Cristo. En este sentido, la propia planta de la iglesia es imagen de la cruz de Cristo y, en consecuencia, representación en pìedra de la idea de la cruxifixión y muerte de Jesús como base para la salvación del mundo. Pero, por otro lado, la construcción simboliza a la perfección el desarrollo del reino astur-leonés en un momento en el que el espacio geográfico peninsular se encontraba fragmentado y en el que sobresalía el mundo islámico representado por al-Andalus.

.c) Análisis sociológico:

.El sepulcro del apóstol Santiago fue redescubierto hacia el año 829, de forma tal que sobre el mismo se edificó (reinando Alfonso II el Casto) un primer templo, de reducidas dimensiones. Más tarde se levantaron allí otras dos basílicas prerrománicas a las que finalmente acabó sustituyendo la catedral que ahora podemos contemplar.

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El hecho de disponer de la única tumba conservada de uno de los doce primeros discípulos de Jesús (junto con la de San Pedro, en Roma), convirtió a la antigua Iria Flavia en el centro de un creciente movimiento de peregrinaciones que prontó alcanzó a toda la cristiandad europea, de la cual Santiago de Compostela acabó convirtiéndose en uno de los principales centros religiosos. Surgió así el Camino de Santiago, una ruta de peregrinación que acababa precisamente aquí su recorrido. Los distintos ramales de esta vía se unían tras cruzar los Pirineos, para recorrer a continuación todo el norte peninsular y concluir en Compostela. De esta manera, el camino facilitó los intercambios culturales entre las distintas zonas del continente y llevó más allá de las fronteras de la península la fama de una ciudad y de una monarquía (la astur-leonesa) que impulsó la devoción a las reliquias del apóstol. Sucedía todo ello en una Europa ruralizada y feudal, pero que lentamente se iría abriendo al desarrollo de las ciudades, del comercio y de las actividades burguesas, siempre bajo la atenta mirada de la Iglesia cristiana como controladora única de las conciencias.

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3) PARA AMPLIAR CONOCIMIENTOS:

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Podéis efectuar una visita a la página oficial de la catedral, extraordinariamente bien concebida. Igualmente, existen buenas informaciones en la web del la iglesia compostelana. Por último, no dejéis de visitar las dos excelente páginas que presenta la fundación Barrié sobre cuestiones relacionadas con la catedral: el coro del maestro Mateo y la música del pórtico de la Gloria, que podréis oir en directo.

LA ESCULTURA Y LA PINTURA ROMÁNICAS

CONTAR LA RELIGIÓN A TRAVÉS DE LAS IMÁGENES

Tímpano. Iglesia de la abadía de la Santa Fe. (1135). Conques, Francia.

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Un mundo de campesinos analfabetos, pero dispuestos a creer las verdades que la Iglesia cristiana les enseña. Y para que puedan creer mejor en ellas, la palabra del sacerdote se va a ver complementada con las imágenes. Ese es el sentido último de la escultura y la pintura románicas: servir de adoctrinamiento visual, empleando la imagen al servicio de la religión.

Pantocrátor. (1123). Iglesia de San Clemente. Taull, Lérida.

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Por ello, encontraremos antes que en ningún sitio esas imágenes en las portadas de las iglesias y catedrales, de manera que los fieles puedan cotemplarlas ya antes de entrar en el templo: unos relieves les mostrarán, por lo general, que Jesucristo ha de volver una segunda vez a la tierra y que lo hará para juzgar a los vivos y a los muertos. Tal es el sentido del Pantocrátor o Cristo juez que encontramos en muchos de los tímpanos románicos. Un modelo semejante se desarrollará también en los ábsides, espacios que cierran el presbiterio y hacia donde se dirigen las miradas de los fieles durante las ceremonias religiosas, aunque aquí se recurrirá habitualmente a la representación pictórica.
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Pero el románico aprovecha otros soportes y otros espacios para difundir la doctrina, ya sean los capiteles de las columnas, los propios muros de las iglesias o las paredes de los claustros monásticos. Igualmente, en ocasiones, se recurre a la escultura en bulto redondo con las mismas finalidades.

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Capitel con demonios. (Hacia 1100) Claustro. Monasterio de Santo Domingo. Silos, Burgos.

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Todas estas obras de carácter religioso presentan una serie de características similares: carecen de perspectiva, son ciertamente geométricas y frontales y, muchas veces, la actitud de los personajes es hierática. Pero, ¿qué importa todo ello si los fieles acaban percibiendo con claridad el mensaje de que o se salvan o acabarán eternamente condenados a las llamas del infierno?

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En este sitio (en español) podéis encontrar dos breves cuadros sinópticos sobre la escultura y la pintura románicas, ilustrados con algunas fotografías. Es recomendable también que visitéis esta página, con un análisis minucioso de la iglesia de Vézelay, completado con muchas fotografías. Finalmente, y como ejemplo concreto de la organización de un tímpano románico, puede serviros el que se ofrece de la iglesia de la abadía de Conques.

ALI FARKA TOURE

EL BLUES AFRICANO

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¿Es el blues una música surgida entre los negros de Estados Unidos? Así parece ser, pero el vídeo que vais a ver apunta en la dirección contraria. Desde ese país hemos saltado hasta Mali, en África, un territorio polvoriento, invadido por el Sahara. Aquí es donde vivía, cantaba y tocaba la guitarra Alí Farka Toure, el bluesman africano, fallecido en marzo de este año. Su historia es la de un hombre de familia noble que decide dedicarse a la música de forma autodidacta, tarea que combina con sus labores de granjero, a las que no quiere renunciar, aunque llega a ganar un Grammy por su disco Talking Timbuktu.

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Ahora sus huellas son seguidas por su hijo, Vieux, que continúa el mismo estilo de su padre. Os recomiendo que cuando terminéis de ver el vídeo, salgáis corriendo a comprar el disco Nianfunké (por cierto, el poblado donde vivía Alí). No os arrepentiréis.

ROBERT CAPA, FOTÓGRAFO

SETENTA AÑOS DE UN SÍMBOLO

Septiembre de 1936. La Guerra Civil española se encuentra en sus inicios. En uno de los frentes de batalla, situado en Cerro Muriano (Córdoba) un fotógrafo capta el momento en el que un miliciano cae abatido por una bala del ejército fascista. El autor de la foto se llama Robert Capa, es húngaro y emplea una cámara Leika de 35 mm. Con fotos como esta y las que unos años después tomó del famoso desembarco en Normandía (junio, 1944) acabará consolidando una de las más brillantes trayectorias del fotoperiodismo del siglo XX, inscribiendo su nombre para la historia junto al de Magnum, la agencia para la que trabajó.

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.Muerte de un miliciano. Robert Capa (1936).

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Se ha cumplido, por tanto, este año, el setenta aniversario de la fotografía que ha venido a simbolizar, más que ninguna otra, la crueldad y el dolor que la guerra significó para nuestro país. Sin embargo esa foto ha sido cuestionada casi desde el mismo momento en que fue publicada, acusándose a Capa de haber efectuado un montaje con el que pretendía reproducir escenas similares que había podido observar en los campos de batalla.

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Pero, más allá de la polémica, la foto sigue siendo el SÍMBOLO, por antonomasia, de nuestra guerra civil y el trabajo de Capa es una de las mejores demostraciones de cómo la fotografía es ese testigo de la historia al que ya me he referido en otra ocasión. Ahora que nos vemos en la necesidad de hablar, otra vez, de esa guerra civil, para tratar de dignificar la memoria de quienes fueron víctimas de ella y de la cruel represión que los vencedores desataron sobre nuestro pueblo, la foto del miliciano me sigue pareciendo la más adecuada para desear que jamás se nos olvide nuestra historia.

Desde aquí podéis seguir la polémica sobre la veracidad de la foto en esta pagina, conocer otras fotos de Capa sobre la guerra civil, ver las desembarco en Normandía en esta otra o aproximaros a una visión más global de la vida y la obra de este artista.

POWER POINT DE ARQUITECTURA ROMÁNICA ESPAÑOLA

POWER POINT DE ESCULTURA Y PINTURA ROMÁNICAS

Con estas dos presentaciones termina, por el momento, el conjunto dedicado al análisis del arte románico. La primera se centra en la arquitectura románica española, a través de la visualizacíón de alguna de sus muestras más significativas. La segunda, por su parte, está dedicada a ofrecer una síntesis de la escultura y pintura románicas, incluyendo algunas obras relevantes localizadas en nuestro país.

LA ARQUITECTURA ROMÁNICA

LA IGLESIA: UNA CRUZ ALZADA EN PIEDRA

Iglesia de San Martín. (1066). Frómista. Palencia.

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Si de algún edificio puede decirse que simboliza a la perfección en qué consistió la arquitectura románica y cuáles fueron sus caracterísitcas básicas no os quepa duda de que se trata de la iglesia: una construcción de piedra, que posee gruesos muros y escasos vanos, por los que una escasa luz logra penetrar al interior del edificio. Desde una perspectiva puramente técnica, las iglesias románicas son de una gran simplicidad: los maestros constructores de la época no hacen grandes alardes; antes que nada, no quieren que el edificio se les venga abajo. Por eso el grosor de los muros, por eso la presencia de contrafuertes que los refuerzan.

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Interior de la iglesia de la abadía. de Saint-Georges. (Inicios del siglo XII). Saint Martins de Boscherville. Francia.

Sin embargo, desde un punto de vista artístico, tal simplicidad se transmuta en belleza y armonía. La iglesia es como una cruz alzada en piedra (cruz latina), dividida en naves mediante columnas o pilares, sobre los cuales apean arcos de medio punto, mientras las bóvedas son de cañón sencillo o de aristas. La portada principal suele disponerse a los pies, tal vez acompañada de torres, pudiendo haber otras entradas en los extremos del transepto. En el crucero, el alarde arquitectónico ha podido llevar a levantar un cimborrio, una cúpula si lo vemos desde el interior.

Claustro. Monasterio de Santo Domingo. (Fines del siglo XI - Comienzos del siglo XII). Silos, Burgos.

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Pero, tratándose del románico, más interesante es todavía la relación que puede hacerse entre la obra arquitectónica y el arte de la época. Una época en la que la gran mayoría de la población era analfabeta. Por eso la iglesia va a convertirse en un soporte material que permite a los fieles ver (quizás si comprenderlos del todo) los misterios de la religión cristiana: la vida y muerte de Cristo, los tormentos que esperan a quienes en la tierra no se ganen el cielo, el juicio final... Para ello, sirven las portadas, los capiteles de las columnas e incluso los muros interiores. Todo a fin de que el creyente visualice lo que el sacerdote le predica. Un sacerdote que oficia la misa en el presbiterio, allí donde se guarda el cuerpo de Cristo. Por ello, para realzar esta zona tan especial del templo, la cabecera suele rematarse en un ábside.

Andando el tiempo, este modelo inicial irá evolucionando. Podrán surgir tribunas en el interior que, asomándose a la nave central, sirvan también para abrir más huecos al exterior, de forma que penetre más y mejor la luz. Surgirán también las catedrales, en ámbitos urbanos, Todas ellas guardan, en distinta medida, estos principios que hemos descrito, aunque su tamaño sea mayor y su planta y alzado más complejos.

Catedral. Iniciada en 1064. (Torre de 1173). Pisa, Italia.

Una arquitectura en definitiva acorde con la sociedad de la época, pero que a nosotros, ciudadanos del mundo desarrollado, nos permite apreciar el valor de lo pequeño, de lo humano, preguntándonos mientras disfrutamos de estas obras qué pensarían los hombres de entonces de aquel dios en cuyo nombre se construyeron tantas iglesias por toda Europa.

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En esta página (en catalán) podéis ver diversas animaciones sobre la construcción románica, incluso con la posibilidad de ensamblar sus diversos elementos (si sois capaces). Por otro lado, en esta otra página se presenta una síntesis básica del románico español, así como una abigarrada lista de enlaces a temas relacionados. Finalmente, aunque sólo sea por la posibilidad de escuchar cantos gregorianos, merece la pena visitar la interesante web de los monjes benedictinos del monasterio de Silos.

EL GRUPO COBRA

EMOCIONES FRENTE A RAZÓN

Karel Appel: "Grito de libertad". (1948).

Si visitáis Amsterdam y os dirigís hacia la famosa explanada de los museos (que allí llaman Museumplein) encontraréis en un lateral, muy cerca de Riskmuseum un pequeño restaurante que responde al curioso nombre de Cobracafé. Un paseante despistado podría pensar que ese nombre obedece a que una palabra española se ha colado en la lengua del país, pero nada más alejado de la realidad: CoBrA es un acrónimo de las palabras Copenhague, Bruselas y Amsterdam. El restaurante es un sitio muy agradable donde a un precio relativamente razonable podréis tomar un nutritivo almuerzo, mientras contempláis (sobre todo si os acercáis a la sala anexa o bajáis a los servicios) algunas obras de arte (o sus reproducciones) realizadas por miembros de ese grupo.

CoBrA surgió a finales de 1948, como fruto del acuerdo de varios artistas en torno a la idea de vincular sus producciones en torno a una norma fundamental: LA INEXISTENCIA DE REGLAS, de manera que el trabajo del autor se guía sólo por la libertad que se genera en el inconsciente, dejando a un lado las prisiones que suelen encadenar a la inteligencia.

Egill Jacobsen: "Acumulación". (1937).

El resultado de esta decidida apuesta colectiva es un conjunto de obras que, con una amplia variedad temática y formal, se distingue unas veces por la riqueza de su colorido, otras por lo ingenuo e infantil de las representaciones y, en otras muchas ocasiones, por su proximidad a las propuestas del surrealismo, del expresionismo y del arte abstracto. Los propios miembros del grupo (Karel Appel, Pierre Alechinsky, Cristian Dotremont, Egill Jacobsen...) hablaban de un "arte informal" que superase los modelos culturales del mundo occidental, contagiándose de un cierto primitivismo. Por ello, a estos artistas se les ha considerado integrados dentro de esa corriente tan amplia que llamamos "arte bruto", en el sentido de que buscan expresar a través de sus obras aquello que bulle en su interior emocional, dejando a un lado los componentes racionales. El propio Appel lo expresaba así: "Pintar es destruir lo anteriormente establecido. Yo nunca trato de hacer una pintura, sino un pedazo de vida."

Como sé que muchos de vosotros vais a ir pronto a Amsterdam, acercaros a ese café. Mientras tanto, visitad su excelente página (en la que hay todo un catálogo de los miembros de CoBrA). Y si aún queréis más información y ver fotos de sus obras, acudid entonces a esta página mejicana o a esta otra, en inglés, pero de fácil navegación.

JASPER JOHNS

EL HOMBRE QUE PINTA (ENTRE OTRAS COSAS) BANDERAS

Jasper Johns: "Estudio para una piel" (1962).

Nos ocupamos ahora de la obra de Jasper Johns, un artista norteamericano (nacido en 1930) cuya producción artística ha estado marcada por su relación con el expresionismo abstracto. Amigo de algunos de las principales figuras de este movimiento, su obra acusa claramente tales influencias, aunque no está exenta de concesiones al figurativismo, al arte pop e, incluso, a la estética cubista. Pero en cualquier caso, los cuadros de Johns destacan por su concepción matérica, por el interés que muestra en los elementos con los cuales se realiza la obra de arte. De este modo, ha empleado procedimientos tan antiguos como la encáustica (en la que el color se disuelve en ceras) o la técnica denominada crosshatchings, consistente en emplear los colores casi como lo haría un artesano que estuviese trabajando la urdimbre de un canasto. Por otro lado, Jonhs muestra determinadas obsesiones, que le llevan a realizar series de obras dedicadas al mismo tema.

Jasper Johns: "Bandera blanca". (1955)

Entre esas series, yo siento especial predilección por la de las "banderas", un conjunto de cuadros en el que Johns ha jugado con ese elemento tan simbólico (y que tantos conflictos ha generado desde siempre) y lo ha convertido en objeto de su especial mirada. ¡Que curioso me resulta ver como en plena guerra fría el artista denominó "bandera blanca" a una de sus obras en las que, de forma bien clara, podemos ver la enseña de los EE.UU.!

Jasper Jonhs: "Diana" (1967).
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Quizás de acuerdo con la enigmática vida de Jasper Johns, poco dado a las apariciones en público, no existe o no conozco mucha información sobre él en Internet. El MOMA de Nueva York le dedicó una retrospectiva en 1996, de la cual podéis obtener algunas informaciones básicas.

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Para una búsqueda minuciosa de las obras de Johns, podemos recurrir a los enlaces que ofrece la Artcyclopedia (en inglés) o a las 144 obras que facilita ciudad de la pintura (en español).

PRESENTACIONES EN PPT SOBRE ARTE ROMÁNICO

Dejo aquí, para que podáis ir consultándolas durante las vacaciones de Navidad, las primeras presentaciones en Power Point que corresponden al arte románico (introducción general y arquitectura). Espero que os ayuden a completar vuestro estudio. En unos días, otras dos nuevas presentaciones.

LA FOTOGRAFÍA, TESTIGO DE LA HISTORIA

FELIZ NAVIDAD A TODOS MIS LECTORES

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En un escrito anterior comenté que, conforme podamos, trataremos en el blog algunas muestras de la fotografía como obra de arte. Pero, además de obra de arte, la fotografía es también testigo privilegiado de la Historia y a ello se refiere este vídeo que os dejo aquí, ahora que se acerca la navidad y, con ella, las vacaciones. Que el año 2007 sea para vosotros un periodo de paz y que en el mundo desaparezcan (o, al menos, disminuyan significativamente) la violencia, la guerra, la crueldad y el dominio de los poderosos sobre los débiles. Que alcancemos alguna vez ese "mundo maravilloso" al que se refiere la canción de Louis Amstrong al que ahora vais a oir. FELICIDADES A TODOS, PARA TODOS Y EN TODAS PARTES DEL MUNDO.

TEMA 7.- EL ARTE ROMÁNICO

UN ARTE AL SERVICIO DE LA RELIGIÓN CRISTIANA

Iglesia de San Clemente (Taull, Lérida). Hacia 1123

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Estamos recorriendo Europa occidental en torno al año 1000. Por todas partes (salvo en Al-andalus) parece que la importancia de las ciudades ha decaído, mientras predominan las pequeñas comunidades asentadas en aldeas y villas, dedicadas a las tareas agrarias y, por lo común, sometidas al poder de un noble o de un monasterio. El comercio se ha reducido a su mínima expresión y los niveles de vida y cultura son enormemente bajos. Es aquí, en este mundo de campesinos, donde va a desarrollarse el arte románico, el primero de los denominados estilos europeos, dada la difusión que alcanzó en una gran parte del occidente continental.

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Juicio Final (1130). Portada de la Abadía de San Pedro. (Moissac, Francia).

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Si nos adentramos en una de esas comunidades aldeanas, dejando a un lado el castillo desde el cual el noble controla su feudo, sólo un edificio llamará nuestra atención: la iglesia. Su tamaño no es considerable, pero está realizada en piedra y parece hecha para durar, frente a las pobres viviendas campesinas. La construcción simboliza, por un lado, a la comunidad que la ha levantado y que en ella se reúne para la misa de los domingos; por otro, representa, sobre todo, el poder de la Iglesia (ahora con mayúscula), que se ha ido incrementando notablemente a lo largo de los seis siglos anteriores. Ejemplos de esta importancia del fenómeno religioso en la sociedad altomedieval europea son también los monasterios, dispersos por el territorio y organizados como auténticas células autosuficientes.

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Majestad Batlló. Mediados siglo XII.

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Si avanzamos algo más en el tiempo, hasta finales del siglo XII, comprobaremos que este arte románico se ha extendido también a las ciudades, sobre todo a aquéllas que se hallan asentadas en las rutas de peregrinación. En ellas, la iglesia se ha convertido en catedral y su tamaño ha aumentado considerablemente.

Todo esto que narramos es el románico, un arte en el que la arquitectura juega un papel fundamental, mientras que la escultura y la pintura se supeditan a ella. De este modo, el templo románico sintetiza a la perfección la mentalidad de una época y de unos hombres para quienes Dios (y, por tanto, la Iglesia cristiana, que lo representaba en la tierra) era el supremo poder, más allá de las fuerzas temporales que los nobles o los propios reyes pudiesen suponer.

La mejor guía sobre arte románico español que conozco en la web es la que desarrolla el doctor García Omedes, de Huesca. Consiste en un repertorio fotográfico, completado con textos, mapas e informaciones precisas. La excelente organización de la página, la calidad de las fotografías y los premios que acumula me hacen recomendaros una visita detallada a este sitio.

Como casi siempre, el portal del profesor Witcombe dispone de un amplio muestrario de fotos sobre manifestaciones artísticas románicas, así como de numerosos enlaces.

Por último, en este sitio podéis descargaros una presentación en español sobre la época del románico y algunas de sus características básicas.

ANDY WARHOL SUPERSTAR

EN LOS ORÍGENES DEL ARTE POP

"Once you “got” Pop, you could never see a sign the same way again. And once you thought Pop, you could never see America the same way again." (Andy Warhol).

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Andy Warhol: "Autorretrato". 1986.

Érase una vez un hombre que quería ser rico, famoso y envidiado y que, finalmente, consiguió todo ello. Esta podría ser la definición de la figura de Andy Warhol (1928-1987), un artista norteamericano (aunque de procedencia eslovaca) que se encuentra en los orígenes del arte pop. Un artista que colaboró con Lou Reed y su Velvet Underground, que creó una "factoría" para la experimentación artística, que filmó películas imposibles, que ilustró revistas y que, sobre todo, descubrió que en los objetos de uso cotidiano también se oculta el arte.

Un hombre que consideró que el arte también podía consistir en la repetición de una imagen, hasta hacerla machaconamente visible, hasta conseguir que esa imagen quedase archivada en el cerebro del espectador: la seriación: una especie de producción industrial aplicada al arte. El hombre que popularizó el retrato de Mao, el suyo y el de Marilyn; la silla eléctrica, el jabón Brillo y la lata de sopas Campbell´s. El hombre que inventó el pop-art. La estrella de la modernidad.

Andy Warhol: "Lata de sopas Campbell´s". 1969.

Abundantísima información sobre Warhol, en inglés, en esta página.

Es muy atractiva la visita a la exposición que sobre este artista aparece en una página del gobierno de México (en español, claro).

Además, como no podía ser menos, existe un museo Warhol, aunque su página no muestra demasiadas obras del artista, salvo en la tienda virtual.

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Andy Warhol: "Serigrafías de Mao". 1972.

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